Sábado, 11 de Febrero de 2012

Fichas | Períodos de la Música > Siglo XX

La Postguerra

Trás la Segunda Guerra Mundial, el mundo se organizó en dos bloques al mando de los EE UU y la URSS, aunque luego este orden sufrió muchas convulsiones. La Guerra Fría estimuló la competencia tecnológica dedicada a lo militar primero y a lo civil después. Así surgieron las primeras computadoras, de la mano del secreto que demandaban los temas de defensa, para terminar siendo elementos indispensables de la vida cotidiana de hoy. Su desarrollo junto al de la electrónica generó un nuevo grupo de artistas que utilizaron los avances para mejores fines como la grabación, reproducción, manipulación y creación de sonidos y músicas. Después de la postguerra, la recuperación económica de Europa y EE UU abrió un nuevo mercado de consumo, que llenó los hogares de instrumentos para el goce auditivo.

Siglo XX

La aldea global

Además de los conciertos y la radio, las músicas populares llegaban al público a través de nuevos medios. En los sesenta, muchas casas incorporaron el televisor y el tocadiscos. Las discográficas se encargaron de grabar a grandes artistas de la clásica, pero también descubrieron el potencial de músicas accesibles a los oídos mayoritarios. Estas músicas, entre las que encontramos al blues o al rock primigenio, abandonaron la clandestinidad y desarrollaron su faz comercial con el pop. Las estrellas del rock y el pop disponían de la mejor técnica para las grabaciones e incluso crearon una sub industria de instrumentos como la guitarra, batería y bajo eléctricos, elementos básicos del nuevo sonido a los que se sumaron los órganos eléctricos, que precedieron a los sintetizadores.

El fin de las vanguardias

Un hecho desgraciado, como fue la muerte accidental por el disparo de un soldado norteamericano al final de la guerra, dio lugar indirectamente al estilo de Antón von Webern a través de unos cursos en su homenaje en Darmstadt. Eran encuentros anuales que se convirtieron foros de discusión sobre la música contemporánea de la Europa de postguerra. El estilo particular del compositor dodecafonista austriaco (y su minimalismo estructural) derivaron en el serialismo integral que extendía los principios de la serie a las duraciones, intensidades y otros elementos musicales. A la problemática de conexión con las grandes audiencias del dodecafonismo primitivo, se sumó la reducción a parámetros matemáticos de los componentes del lenguaje musical que incrementó el distanciamiento entre las vanguardias artísticas y el público. Este alejamiento originó nuevas posturas estéticas antepuestas al vanguardismo, con la notable influencia del arte pop.
Siglo XX

Terrenos mixtos

En los sesenta se mestizaron culturas y lenguajes musicales que así continuan hoy. Fueron los músicos quienes cruzaron las fronteras virtuales que separaban a la música en compartimientos. El sitar hindú o la música reggae jamaicana se mezclaron con el rock y el pop, como sucedió con The Beatles o Eric Clapton, el tango de Piazzolla adquirió resonancias contrapuntísticas a lo Bach, la samba se volvió bossa nova cerca de las armonías del jazz, que asomaron de Debussy y Ravel, el son se hace salsa con las big bands norteamericanas, y el flamenco de Paco de Lucía se mezcla con ritmos del Nuevo Mundo. Hoy en día, el sincretismo se ha vuelto ecléctico, un cambio de mentalidad.
Hagaselamusica.com



Breves

  • 10 de febrero de 1881: estreno en París de "Los Cuentos de Hoffmann" de Jacques Offenbach. La ópera es una adaptación de Jules Barbier y Michel Carré de varios cuentos del escritor Ernst T.A. Hoffmann. El primero tiene lugar con una muñeca mecánica, el segundo con la víctima del conjuro de un mago, y la tercera con una enferma moribunda. La historia comienza con un prólogo ambientado en una taberna.

  • 06 de febrero de 1903: nace Claudio Arrau, pianista chileno. Su nombre evoca una trayectoria musical casi infinita. No sólo porque siguió tocando hasta el día de su muerte sino porque su vida artística pareciera haber arrancado en algún punto de la segunda mitad del siglo XIX, como heredero directo de la tradición lisztiana.

  • 05 de febrero de 1887: se estrena "Otello", de Giuseppe Verdi. El mundo había pensado que "Aída" era el punto culminante pero también el punto final de la trayectoria creadora de Verdi. Pero "Otello" demostró que ambas cosas no eran ciertas. La Scala de Milán estrenó la obra y la velada se convirtió en un clamoroso homenaje al maestro de 74 años.

  • 01 de febrero de 1896: en el Teatro Regio de Turín se estrena "La Boheme" de Giaccomo Puccini. En la representación de la obra de Puccini dirigió la orquesta un joven que lo hizo de manera brillante. Fue leal al compositor hasta después de la muerte y 30 años después de La bohéme dirigió también el sensacional estreno de Turandot: era Arturo Toscanini.

  • 27 de enero de 1901: muere en Milán, Giuseppe Verdi. Compositor italiano dedicado en forma casi exclusiva a la ópera, género para el que compuso 26 obras. Su vida acompaña su obra: puede dividirse en tres períodos. El primero nace en sus comienzos y llega hasta el estreno de Il Trovatore y La Traviata en 1853. El segundo período concluye en 1871 con la composición de Aida. Tras una pausa de más de 15 años, compuso las obras de su último período: la ópera trágica Otello y la bufa Falstaff.


Citas

  • Daniel Barenboim
    "Un director no tiene contacto físico con la música que producen sus instrumentistas y a lo sumo puede corregir el fraseo o el ritmo de la partitura pero su gesto no existe si no encuentra una orquesta que sea receptora"

  • George Gershwin
    "Daría todo lo que tengo por un poco del genio que Schubert necesitó para componer su Ave María"

  • Gustav Mahler
    "Cuando la obra resulta un éxito, cuando se ha solucionado un problema, olvidamos las dificultades y las perturbaciones y nos sentimos ricamente recompensados"

  • Franz Schubert
    "Cuando uno se inspira en algo bueno, la música nace con fluidez, las melodías brotan; realmente esto es una gran satisfacción"

  • Bedrich Smetana
    "Con la ayuda y la gracia de Dios, seré un Mozart en la composición y un Liszt en la técnica"

MULTIMEDIA

  • Nocturno Nº 2

    Frederic Chopin

  • Astor Piazzolla (parte 2)

    Biografía

  • Sinfonía Nº 3 "Renana"

    Robert Schumann

  • Sinfonía Nº 3 "Órgano"

    Camille Saint Saens

  • Noche en el Monte Calvo

    Modest Mussorgsky

  • Romeo y Julieta

    Piotr Illich Chaikovski

  • Sinfonía Nº 1 "Titán"

    Gustav Mahler

  • Danza Eslava N° 1

    Antonin Dvôrak

Intérpretes

Voces

Ángel Vargas

Ángel Vargas

Posiblemente, junto a Francisco Fiorentino, fue el modelo del "cantor de la orquesta". Tanto es así que hablar de Ángel Vargas nos remite indefectiblemente a Ángel D'Agostino, el director de la orquesta de sus grandes éxitos. Cantor de una personalidad impresionante, es el símbolo del fraseo porteño de los años cuarenta. Vargas canta como únicamente se cantó en el cuarenta. Su fraseo era reo y compadrito pero al mismo tiempo, de un infinito buen gusto. Tenía una dulzura que disimulaba su voz pequeña pero varonil, transmitía simpatía y era sobretodo, un cantor carismático. Fue sin duda uno de los más grandes artistas de nuestro tango.

Músicos

Raúl Garello

Raúl Garello

Leyendo el diario Clarín encontré un interesante artículo de Héctor Negro sobre el maestro Raúl Garello donde contaba que nació en la ciudad de Chacabuco, Provincia de Buenos Aires y afirmaba, que a través del tiempo, con su presencia, el tango contemporáneo logró exhibir uno de los más importantes aportes en lo que se considera la promoción de músicos "post Piazzolla". Coincido totalmente con este concepto, porque como es público y notorio, Astor marcó una verdadera brecha entre el sonido de los cuarenta y el tango actual, un antes y un después en la música porteña. Garello es una feliz consecuencia de este proceso.

Músicos

Orlando Goñi

Orlando Goñi

Pianista y director. Apenas compuso un tema (la milonga "Mi Regalo"), tuvo orquesta propia al final de su vida y no llegó a la grabación comercial ni a destacarse mayormente en sus actuaciones en público. ¿Qué fue lo que despertó tal devoción artística entre la gente de tango? ¿Qué lo hace estar entre los preferidos junto a Francisco De Caro, Carlos Di Sarli u Horacio Salgán?. De sonido suave, fraseo limpio y pausado, inagotable imaginación creadora, tenía una forma inimitable de "llevar" a la orquesta. Adoptaba una extraña posición frente al piano, sin posturas académicas, con las piernas abiertas y extendidas, sin utilizar por lo general los pedales...

Buenos Aires, 11 de dic.

Día Nacional del Tango en Argentina

Fue el músico Ben Molar el que diseñó la idea para que el 11 de diciembre se celebre el Día Nacional del Tango, en conmemoración de las fechas del nacimiento de los creadores de dos vertientes de la música popular: La Voz, Carlos Gardel, el zorzal criollo, ídolo y figura representantiva del tango, y La Música, Julio De Caro, gran director de orquesta y renovador del género.

Nueva York, 03 de nov.

Diego El Cigala busca conquistar Nueva York con su nueva propuesta musical

El cantaor español Diego El Cigala, que llegó hoy a Nueva York con su espectáculo "Cigala & Tango", aseguró a Efe que le hace "mucha ilusión" presentarse en una ciudad "donde se cuece tanta música" y a la que quiere conquistar con su nuevo proyecto musical. El concierto, en el teatro Town Hall, marca su regreso a la ciudad, donde debutó hace seis años, a la que considera "fascinante" y a donde llega como parte de su primera gira de conciertos en Estados Unidos, tras exitosas presentaciones en varias ciudades como Miami (Florida), en un año que considera como el mejor de su carrera.

Letras

Ver mís letras
A B C D E F G H I J K
L M N O P Q R S T U
V W X Y Z

Desarrollado por Osmosis