Lunes, 18 de Junio de 2018

Clásica y Ópera | Ópera

La carrera del libertino de Igor Stravinski

La carrera del libertino de Igor Stravinski

Stravinski, que siempre sorprendió con cosas inesperadas, creó una ópera en el espíritu de la escuela napolitana de los siglos XVII y XVIII, como si el compositor no se encontrara en mitad del siglo XX. El estreno tuvo lugar en el Teatro Fenice de Venecia el 8 de septiembre de 1951. Los intérpretes, que cantaron bajo la dirección del compositor, eran en su mayoría de la Scala de Milán. El sueño stravinskiano de conseguir una estrecha relación musical con Italia, la patria de la música, se había cumplido, aunque tarde. La carrera del libertino (The Rake's Progress) se convirtió en su obra teatral más interpretada.








Ópera en tres actos (nueve cuadros). Libreto de Wystan Hugh Auden y Chester Kallmann, basado en una serie de grabados en cobre de William Hogarth.

Personajes: Trulove (bajo); Ann, su hija (soprano); Tom Rakewell (tenor); Nick Shadow (barítono); madre Goose (mezzosoprano); Baba, llamada «la bab turca» (mezzosoprano o contralto); Sellem, subastador (tenor); celador de un manicomio (bajo); criados, rameras, jóvenes, burgueses, locos.

Lugar y época: Inglaterra en el siglo XVIII.

Argumento: Tom Rakewell se ha comprometido con Ann Trulove. Ambos parecen tener por delante un futuro de amor y felicidad. Pero el padre de Ann desconfía del carácter vacilante de su futuro yerno y quisiera verlo en una posición firme y segura. Eso no es lo que quiere Tom, en cuyo inconsciente duermen miles de deseos y veleidades. Entonces aparece una personalidad tenebrosa, Nick Shadow, una figura mefistofélica inventada por los libretistas y que no aparece en los grabados de Hogarth, y cuyo nombre (shadow = sombra) adquiere significación simbólica; Nick, por otro lado, es un popular nombre inglés del demonio. Shadow explica que ha sido criado del tío de Tom, que al morir dejó una enorme herencia a su sobrino; y quiere entrar al servicio de Tom, el sueldo carece de importancia, se puede negociar más tarde. Shadow lo lleva a Londres y comienza, como anuncia dirigiéndose al público, the rake 's progress, la carrera del libertino en el que se transforma Tom bajo la dirección de Shadow.

Aunque al principio se contiene por el recuerdo de Ann Trulove (también un símbolo: true love = amor verdadero), la vida lo introduce en sus formas más primitivas. Después del prostíbulo sigue el grotesco matrimonio con una atracción de feria, la «bab turca», un monstruo barbudo al que apenas se puede considerar una mujer. Al mismo tiempo, Tom quiere explotar un invento capaz de convertir las piedras en pan. Shadow está detrás de todo y cada paso conduce a Tom más cerca del abismo. No se puede impedir la quiebra financiera, la subasta de todos sus bienes se presenta en una escena casi fantasmal. Shadow cree que ha llegado su hora. Conduce a su señor, que en realidad es su víctima, al cementerio de una iglesia, en medio de la noche, y le revela ante una tumba abierta el salario que exige: el alma de Tom. Juegan una decisiva partida de cartas en la que, gracias a la intervención mística de Ann, Shadow pierde y cae muerto cuando dan las doce. Pero Tom no se salva. La locura se apodera de él y termina en el manicomio. Sin embargo, hay una transfiguración más allá de su final. La fiel Ann, que intentó ayudarlo varias veces, se le aparece como un cuadro de luz. Ann, en la escena tal vez más bella de la obra, acuna en su regazo la cabeza de Tom, destruido por la vida, y canta para que se duerma.

Por último vuelven al escenario todos los personajes de la pieza (como solía hacerse en la antigua ópera italiana y como hizo Mozart en su Don Juan) y sacan conclusiones de los hechos descritos. Lo hacen sin máscaras, sin pelucas y sin falsas barbas: en cierta medida regresan a nuestro siglo, que se ha servido de una fábula vieja pero siempre vigente para exponer la seriedad de la vida.

Fuente: William Hogarth (1697-1764) fue uno de los grandes pintores y dibujantes de Inglaterra; sus obras alcanzaron celebridad mundial y entre las más destacadas figura una serie de grabados y pinturas titulada The Rake's Progress. Con ella hizo una crítica de la sociedad y de su época, crítica que gracias a la maestría del autor y de las escenas y personajes elegidos por él tiene una significación duradera.

Libreto: Wystan (o William) Hugh Auden, el gran poeta inglés, y Chester Kallmann, lírico y musicólogo norteamericano, crearon, siguiendo los deseos de Stravinski, el libreto de La carrera del libertino, basado en las imágenes de Hogarth; mantuvieron el título y casi todas las figuras importantes, pero añadieron una, tal vez la más importante, la figura mefistofélica de Nick Shadow.

Música: Stravinski, que siempre sorprendió con cosas inesperadas, creó una ópera en el espíritu de la escuela napolitana de los siglos XVII y XVIII: una ópera cifrada, con clavicémbalo y coloraturas, una obra tonal, como si el compositor no se encontrara en mitad del siglo XX, con su atonalidad, sus experimentos y su total radicalismo.

También hay alusiones a los belcantantes: algunos momentos recuerdan a Rossini, Donizetti y Bellini. Stravinski probó en su larga carrera todos los estilos, imitó todas las épocas, para armonizar muchos de sus elementos fundamentales con las exigencias de su propia época. Al no dejar que lo perenne cayera en el olvido, ¿quiso ofrecer un apoyo a esta era tan vacilante, interiormente tan insegura? ¿Es un regreso convencido a la melodía y al sonido bello, del que habló tanto? ¿Es, como ocurre siempre en él, un ejercicio brillantemente logrado con las formas de épocas lejanas? ¿Es de nuevo, como en tantos pasajes de sus obras, un parodista, en el que no se sabe dónde termina la seriedad y dónde comienza la ironía? Más de una vez parece haber una grieta entre la música de algunas escenas y su contenido emotivo; se tiene la impresión de que muchas arias han sido escritas sólo por la capacidad técnica de los cantantes, como si no hubiera hombres en el escenario, sino muñecos. ¿Mueve Stravinski las figuras de Hogarth como si fueran marionetas? A pesar de todas las objeciones posibles: una madura obra maestra.

Historia: El estreno tuvo lugar en el Teatro Fenice de Venecia el 8 de septiembre de 1951. Los intérpretes, que cantaron bajo la dirección del compositor, eran en su mayoría de la Scala de Milán. El sueño stravinskiano de conseguir una estrecha relación musical con Italia, la patria de la música, se había cumplido, aunque tarde. The Rake's Progress se convirtió en su obra teatral más interpretada.

Fuente: Diccionario de la Ópera de Kurt Pahlen
 
Más Notas
El estreno de "Tannhauser" en el Mundo
La zorrita astuta de Leos Janácek
Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni
Los pescadores de perlas de Georges Bizet
Katia Kabanova de Leos Janácek

Ver Historial




Breves

  • HECTOR BERLIOZ

    Fue un creador cuyo obstáculo fue la intransigencia de la mayoría de los músicos en casi todos los temas, desde su apoyo al uso del saxofón o a la nueva visión dramática de Wagner. Su vida fue excéntrica y apasionada. Ganó el Premio de Roma, el más importante de Francia en aquel momento, por una cantata hoy casi olvidada. Su obra musical es antecesora de estilos confirmados posteriormente.

  • El aprendiz de brujo de Paul Dukas se basa en una balada de Goethe. Es un scherzo sinfónico que describe fielmente cada frase del texto original.

  • La primera ópera de la que se conserva la partitura es Orfeo de Claudio Monteverdi. Se estrenó en Mantua en 1607, con motivo de la celebración de un cumpleaños, el de Francesco Gonzaga.

  • La obra que Stravinski compuso desde la época del Octeto de 1923 y hasta la ópera The Rakes Progress de 1951, suele considerarse neoclasicista.

  • En la Edad Media encontramos la viela de arco, de fondo plano y con dos a seis cuerdas, que se perfeccionó en la renacentista, hasta llegar a su transformación en el violín moderno a partir del siglo XVI, cuando se estableció una tradición de excelentes fabricantes (violeros) en la ciudad de Cremona.


Citas

  • DANIEL BARENBOIM

    "Un director no tiene contacto físico con la música que producen sus instrumentistas y a lo sumo puede corregir el fraseo o el ritmo de la partitura pero su gesto no existe si no encuentra una orquesta que sea receptora"

  • GEORGE GERSHWIN

    "Daría todo lo que tengo por un poco del genio que Schubert necesitó para componer su Ave María"

  • GUSTAV MAHLER

    "Cuando la obra resulta un éxito, cuando se ha solucionado un problema, olvidamos las dificultades y las perturbaciones y nos sentimos ricamente recompensados"

  • FRANZ SCHUBERT

    "Cuando uno se inspira en algo bueno, la música nace con fluidez, las melodías brotan; realmente esto es una gran satisfacción"

  • BEDRICH SMETANA

    "Con la ayuda y la gracia de Dios, seré un Mozart en la composición y un Liszt en la técnica"

MULTIMEDIA

  • Hágase la Música en Radio Brisas

    Programa N° 3 - 19 de septiembre de 2010

  • Último día de Mozart

    Biografía

  • Vesti la giubba

    Mario Lanza (Canio)

  • George Gershwin

    Biografía

  • Carmen

    Georges Bizet

  • Manuel de Falla (primeras obras)

    Biografía

  • Che gelida manina

    Luciano Pavarotti (Rodolfo)

  • Vissi d' arte

    Renata Tebaldi (Floria Tosca)

Intérpretes

Músicos

Julio De Caro

Julio De Caro

Su carrera se desarrolló a través de cuatro actividades principales: fue director, compositor, arreglista y violinista. Se convirtió en uno de los grandes intérpretes de la generación de 1910, pero a partir de 1923 creó un estilo original que lo convirtió en líder de su generación y modelo de las siguientes. En 1927 grabó su primer disco. Entre sus grandes éxitos cabe mencionar: "El malevo", "Boedo", "Berretín", "Nobleza de arrabal" y "Flores negras". De Caro fue de los primeros en comprender que el destino del tango era la música y avanzó en esa dirección, hasta donde le dio el aliento.

Voces

Alberto Marino

Alberto Marino

Como decía un amigo mío "Alberto Marino es un lujo para el tango". Esta exageración obedecía, seguramente, a su registro de tenor y a la influencia de la escuela italiana de canto que si bien la tuvieron varios vocalistas del tango, en el caso del Tano Marino generaba la sensación que le sobraba voz para el desafío que le presentaban las letras. Pasaba de un potente agudo a un profundo bajo con la facilidad de los elegidos, poseía un vibrato inconfundible pero del cual no abusaba. Sus detractores, no obstante reconocer su capacidad, le enrostran que era frío y carente de media voz.

Voces

Julio Sosa

Julio Sosa

Sin lugar a dudas, Julio Sosa fue el último cantor de tango que convocó multitudes. Y en ello, poco importó que casi la mitad de su repertorio fuera idéntico al de Carlos Gardel, aunque también es cierto que interpretó algunos títulos contemporáneos. Como dice el investigador Maximiliano Palombo, fue una de las voces más importantes que tuvo el tango en la segunda mitad de los años cincuenta y principios de los sesenta, época en que la música porteña pasaba por un momento no demasiado feliz".

Junín, 13/06/2016

Presentaron “Tango en Junín”

Los amantes del tango podrán disfrutar de diversas actividades durante cinco días en Junín. El intendente la Ciudad, Pablo Petrecca, presentó oficialmente “Tango en Junín”, un importante ciclo cultural que se desarrollará entre el 13 y el 17 de julio próximos e incluirá la realización de la preliminar del Festival y Mundial de Tango BA 2016.

Mar del Plata, 30/05/2016

Amelita Baltar en el Teatro Colón

El sábado 11 de Junio a las 21 hs se presentará en el Teatro Municipal Colón la gran cantante Amelita Baltar, acompañada por la Orquesta Municipal de Tango que dirige el Maestro Julio Davila y el pianista Aldo Saralegui como invitado especial. Luego de su presentación en Mar del Plata, la cantante estrenará un nuevo espectáculo: "Noches de Kabaret" en el Teatro Maipo de Buenos Aires.

Letras

Ver mís letras
A B C D E F G H I J K
L M N O P Q R S T U
V W X Y Z

Desarrollado por Osmosis