Lunes, 19 de Febrero de 2018

Clásica y Ópera | Obras Maestras

Los Pinos de Roma de Ottorino Respighi

Los Pinos de Roma de Ottorino Respighi

Si bien no fue el principal compositor italiano de su generación, Respighi fue lejos el más exitoso a nivel mundial. Las innegables limitaciones de su arte se asocian a su personalidad. Él era un hombre de considerable cultura pero de un corazón simple y casi infantil. Siempre fue muy receptivo a las impresiones visuales y por ello su obra tiende a ser más sensorial en carácter. Los Pinos de Roma fue compuesto en 1924. El estreno fue dirigido por Bernardina Molinari en Roma el 14 de diciembre de ese año.








Ottorino Respighi nació el 9 de julio de 1879, en Bologna y falleció el 18 de abril de 1936, en Roma. Durante su vida Respighi fue el compositor italiano de más éxito y fama de su generación. Debido a su renombre, en 1913 fue designado profesor de composición en el Conservatorio de Santa Cecilia en Roma. En 1924 fue nombrado director de esa prestigiosa institución, pero los deberes administrativos no le gustaban. Hombre fundamentalmente simple, no tenía ni el talento ni la inclinación para ese cargo. Además, como era frecuentemente invitado a dirigir orquestas en otros países, sus carreras profesional y administrativa entraron en conflicto.

Respighi estaba ansioso de renunciar tanto al cargo de director como al de profesor. Pero el ministro de Cultura de Roma comprendía el valor de tener a un personaje tan distinguido a la cabeza del Conservatorio. Para evitar (o, como sucedió, impedir) la renuncia del compositor, el ministro arregló que los deberes de Respighi como profesor consistieran sólo en un curso avanzado de conferencias sobre composición, para el cual sólo se requería de él que diera cuarenta conferencias al año en el momento que le conviniera. Sin embargo, Respighi renunció dos años más tarde con el objetivo de consagrarse a la composición.

A pesar de sus responsabilidades administrativas, el compositor pudo terminar la que estaba destinada a convertirse en su obra orquestal más popular -Los Pinos de Roma- durante su primer año como director del Conservatorio. El estreno tuvo lugar en diciembre. El Augusteo estaba abarrotado. Respighi había predicho que el público se desengañaría en el primer movimiento. "¡Verás que la primera parte no tendrá un pasaje suave y la van a abuchear!", le dijo a su esposa. De hecho, hubo un abucheo y una silbatina considerable al cierre de la primera sección, causados sin duda por las trompetas estridentemente discordantes que suenan estrepitosa y repetidamente en una nota ajena a la tonalidad que prevalece (Si bemol en la tonalidad de La mayor). El efecto es como la burla de los niños "¡niah!" ( la nota de programa de Respighi menciona niños chillando). Un amigo del compositor había sugerido un final diferente, pero Respighi respondió: "Déjalos abuchear; ¿qué me importa?"

Después de este cierre disonante del primer movimiento, la orquesta se aquieta para un segundo movimiento contemplativo. En el estreno el público hizo lo mismo. A medida que la pieza se desarrollaba, el público estaba cada vez más intrigado. Incluso antes del triunfante final, un salvaje aplauso envolvió la sala.

Este modelo se repitió en la segunda presentación, dos semanas más tarde. Al final del primer movimiento, alguien gritó: "¡Esto no debe seguir!" Pero al final, de nuevo hubo una ovación extraordinaria. Con posterioridad Los Pinos fue ampliamente tocada, obteniendo siempre una respuesta entusiasta.

Después que Respighi renunció al Conservatorio quedó libre para viajar. El y su esposa se embarcaron en una gira por Norteamérica a fines de 1925. Cuando su barco atracó en Nueva York, varios periodistas y fotógrafos subieron a bordo, exigiendo entrevistas e información. Elsa Respighi recordaba: "No teníamos nada preparado, ni fotografías, ni notas escritas a máquina, ni podíamos pensar en ningún incidente 'importante' ni 'ameno' de nuestras vidas que nuestros amigos periodistas esperaban tan exigentemente de nosotros. Viendo las expresiones atónitas de estos caballeros, nos dimos cuenta de que habíamos omitido cumplir con un cierto deber vital: el pago del tributo a 'su majestad, la publicidad', una diosa de primera magnitud en Estados Unidos."

Respighi había programado dirigir Los Pinos de Roma con la Orquesta de Filadelfia en enero. Interrumpió los ensayos para ir a Nueva York, porque el director Arturo Toscanini había elegido estrenar esa misma obra en Norteamérica, en su triunfante concierto de regreso después de una larga ausencia de Estados Unidos. Los recuerdos de Elsa Respighi son especialmente vividos:
Fue una velada inolvidable. La sala [Carnegie Hall], acicalada con banderas italianas y cubierta con grandes cantidades de flores, albergaba un público numeroso y distinguido, que incluía importantes personalidades del mundo musical y a las mujeres más bellas de Norteamérica que llevaban puestas sus joyas más valiosas. La atmósfera era de vibrante expectativa. Respighi y yo vinimos de Filadelfia para asistir al concierto. Toscanini recibió una gran ovación por cada tema del programa, pero después de Los Pinos de Roma, el aplauso llegó casi al delirio. El había agradecido el tributo del público saludando cinco o seis veces y yo estaba a punto de dejar el palco cuando un tremendo estruendo me hizo volver alarmada. Todo el público estaba de pie, la orquesta hacía sonar el "saludo de honor" y Ottorino, junto a Toscanini, inclinaba la cabeza para dar las gracias.
Respighi regresó a Filadelfia al día siguiente. Elsa relata que el compositor, al principio:
Halló un poco difícil el trabajo con la orquesta de Stokowski, que por entonces estaba en la cúspide de su fama. La actitud de algunos intérpretes era de desconfianza mal disimulada, que preocupaba a los italianos de la orquesta pero que no duró mucho tiempo. Con calma olímpica Respighi habló con cada uno de los intérpretes en su propio idioma (había rusos, alemanes, franceses, italianos, etcétera) y pronto todos ellos fueron ganados por su personalidad. La Orquesta de Filadelfia había ido en masse a Nueva York a escuchar Los Pinos dirigida por Toscanini y todos los músicos volvieron ansiosos y decididos a proporcionar, en lo posible, una interpretación incluso mejor que esa. El primer concierto de Respighi tuvo lugar el 19 de enero. La orquesta presentó el mismo programa en Washington, Cleveland y Baltimore.
La siguiente nota de programa aparece como prólogo de la partitura de Los Pinos:

Los Pinos de Villa Borghese. Los niños juegan en los pinares de la Villa Borghese, bailan el equivalente italiano de "la ronda". Juegan a los soldados, marchando y luchando. Se agitan y chillan como golondrinas en la noche. Van y vienen en enjambres. De repente, la escena cambia.

Los Pinos cerca de una Catacumba. Vemos las sombras de los pinos que se proyectan por encima de la entrada de una catacumba. Desde las profundidades se eleva un cántico, que hace eco solemnemente, como un himno, y luego es silenciado misteriosamente.

Los Pinos de Gianicolo. Hay una agitación en el aire. La luna llena muestra el perfil de los pinos de la colina de Gianicolo. Un ruiseñor canta.

Los Pinos de la Vía Apia. Amanecer brumoso en la Vía Apia. El campo trágico está vigilado por los pinos solitarios. El ritmo de pasos interminables, de modo indistinto e incesante. El poeta tiene una visión fantástica de las glorias pasadas. Las trompetas suenan estrepitosamente y, en la grandeza de un sol que asoma nuevamente, el ejército del Cónsul se lanza hacia la Vía Sagrada, ascendiendo triunfante por la Colina Capitolina. Respighi transformó este programa en un tapiz orquestal vivido. Los colores de Los Pinos a veces son espectaculares, a veces íntimos. Los brillantes movimientos exteriores demuestran cuánto aprendió Respighi de su profesor de composición, Rimsky-Korsakov. Los movimientos interiores, por contraste, muestran por qué Respighi a menudo es llamado "neoimpresionista". La influencia de Debussy queda frecuentemente en evidencia.

Seguramente el más famoso de los muchos timbres maravillosos de Los Pinos son los sonidos de los pájaros al final del tercer movimiento. Después del regreso de la cadenza del piano y del solo de clarinete de la apertura, oímos no una imitación orquestal de pájaros (como la del final del movimiento lento de la Sexta Sinfonía de Beethoven o los de la introducción de la Primera Sinfonía de Mahler) sino verdaderos pájaros grabados. Respighi indica que debe ponerse una grabación fonográfica especial. Si bien esta idea quizás haya sido muy controvertida en 1924, con los puristas condenando la intrusión de sonidos grabados en la orquesta, lo que hizo llegó a ser profético. A medida que la tecnología de grabación se hizo más sofisticada y más común a fines del siglo XX, los compositores a menudo han combinado sonidos previamente grabados (o incluso sonoridades producidas electrónicamente de modo inmediato) con sonidos orquestales.

Otros efectos especiales de Los Pinos de Roma incluyen la trompeta distante del segundo movimiento y el agregado de una segunda sección de bronces en la conclusión del movimiento final. Aquí Respighi exige buccine, que son los antiguos instrumentos de bronce que, aparentemente, se remontan a la época romana. El compositor sugiere que pueden tocarse en sus descendientes modernos, llamados flicorni, fluegelhorns, euphoniums y tubas tenores. Respighi aprovechó por completo los recursos sónicos de la orquesta moderna e incluso le agregó sonidos especiales, con el objeto de producir una de las partituras más coloridas de este siglo.

Video: Pinos de Roma - Herbert von Karajan

Más Notas
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Breves

  • HECTOR BERLIOZ

    Fue un creador cuyo obstáculo fue la intransigencia de la mayoría de los músicos en casi todos los temas, desde su apoyo al uso del saxofón o a la nueva visión dramática de Wagner. Su vida fue excéntrica y apasionada. Ganó el Premio de Roma, el más importante de Francia en aquel momento, por una cantata hoy casi olvidada. Su obra musical es antecesora de estilos confirmados posteriormente.

  • El aprendiz de brujo de Paul Dukas se basa en una balada de Goethe. Es un scherzo sinfónico que describe fielmente cada frase del texto original.

  • La primera ópera de la que se conserva la partitura es Orfeo de Claudio Monteverdi. Se estrenó en Mantua en 1607, con motivo de la celebración de un cumpleaños, el de Francesco Gonzaga.

  • La obra que Stravinski compuso desde la época del Octeto de 1923 y hasta la ópera The Rakes Progress de 1951, suele considerarse neoclasicista.

  • En la Edad Media encontramos la viela de arco, de fondo plano y con dos a seis cuerdas, que se perfeccionó en la renacentista, hasta llegar a su transformación en el violín moderno a partir del siglo XVI, cuando se estableció una tradición de excelentes fabricantes (violeros) en la ciudad de Cremona.


Citas

  • DANIEL BARENBOIM

    "Un director no tiene contacto físico con la música que producen sus instrumentistas y a lo sumo puede corregir el fraseo o el ritmo de la partitura pero su gesto no existe si no encuentra una orquesta que sea receptora"

  • GEORGE GERSHWIN

    "Daría todo lo que tengo por un poco del genio que Schubert necesitó para componer su Ave María"

  • GUSTAV MAHLER

    "Cuando la obra resulta un éxito, cuando se ha solucionado un problema, olvidamos las dificultades y las perturbaciones y nos sentimos ricamente recompensados"

  • FRANZ SCHUBERT

    "Cuando uno se inspira en algo bueno, la música nace con fluidez, las melodías brotan; realmente esto es una gran satisfacción"

  • BEDRICH SMETANA

    "Con la ayuda y la gracia de Dios, seré un Mozart en la composición y un Liszt en la técnica"

MULTIMEDIA

  • Fantasía para un gentilhombre

    Joaquín Rodrigo

  • Gloria all' Egitto, ad Iside

    Orquesta y Coro de la Scala de Milán - Lorin Maazel

  • Hágase la Música en Radio Brisas

    Ciclo 2012 - Programa N° 27

  • Hágase la Música en Radio Brisas

    Ciclo 2011 - Programa N° 12

  • Cuatro piezas sacras

    Stabat Mater

  • Celeste Aida

    Luciano Pavarotti (Radamés)

  • Sinfonía Nº 9 "Coral"

    Ludvig van Beethoven

  • Último día de Mozart

    Biografía

Intérpretes

Voces

José Ángel Trelles

José Ángel Trelles

Su voz se identifica con la música de Ástor Piazzolla y las letras de Horacio Ferrer. Con un estilo carente de yeite, está más cerca de la balada que del tango. No obstante, su repertorio integrado con composiciones vanguardistas, es acorde a estas características y resulta atrayente. Dueño de un registro de barítono, es afinado, tiene potencia y es fiel exponente de una generación de vocalistas que interpretan por un lado y cantan por el otro. Entre sus producciones discográficas se destacan: "Balada para un loco", "Y ahora yo", "Aguante barrio", "El ángel vive", grabado junto a la Camerata Porteña y junto al pianista Juan Carlos Cirigliano: "Sólo para dos".

Músicos

Francisco Canaro

Francisco Canaro

Nació en la ciudad de San José, Uruguay, el 26 de noviembre de 1888, aunque desde fines del siglo vivió con su familia en la Argentina. Autodidacta del violín, se inició en 1906 en un baile del pueblito de Ranchos en la provincia de Buenos Aires. Canaro es uno de los iconos del Tango, supo aprovechar el fervor tanguero de la época para convertirlo en una empresa que articuló paulatinamente toda la fisonomía empresarial del tango.

Músicos

Pedro Maffia

Pedro Maffia

Inauguró una modalidad completamente nueva de ejecutar el bandoneón. Dejaba el fuelle cerrado, sin alargar ni contraer sus pliegues. Gracias a este método, el imperioso instrumento del tango alcanzó con Maffia una mayor precisión y pureza de sonido. "El pibe de Flores", como se lo conocía por entonces, llevó el fueye a uno de sus puntos de mayor altura interpretativa. Anibal Troilo, que percibió en él al maestro, le dedicó el tango A Pedro Maffia, y Astor Piazzola compuso Pedro y Pedro, en homenaje a él y a Pedro Laurenz

Junín, 13/06/2016

Presentaron “Tango en Junín”

Los amantes del tango podrán disfrutar de diversas actividades durante cinco días en Junín. El intendente la Ciudad, Pablo Petrecca, presentó oficialmente “Tango en Junín”, un importante ciclo cultural que se desarrollará entre el 13 y el 17 de julio próximos e incluirá la realización de la preliminar del Festival y Mundial de Tango BA 2016.

Mar del Plata, 30/05/2016

Amelita Baltar en el Teatro Colón

El sábado 11 de Junio a las 21 hs se presentará en el Teatro Municipal Colón la gran cantante Amelita Baltar, acompañada por la Orquesta Municipal de Tango que dirige el Maestro Julio Davila y el pianista Aldo Saralegui como invitado especial. Luego de su presentación en Mar del Plata, la cantante estrenará un nuevo espectáculo: "Noches de Kabaret" en el Teatro Maipo de Buenos Aires.

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