Jueves, 24 de Mayo de 2018

Clásica y Ópera | Obras Maestras

Concierto para violín de Alexander Glazunov

Concierto para violín de Alexander Glazunov

El Concierto en La menor para Violín fue compuesto en 1904, en San Petersburgo y en el retiro veraniego de Glazunov en Oserki. Mischa Elman fue el solista del estreno, que se llevó a cabo en Londres, el 17 de octubre de 1905. La obra es un buen ejemplo de la inclinación que Glazunov sentía por los temas tanto rusos como occidentales, estos tienen, en efecto, ecos lejanos de melodías folclóricas rusas, pero la manera de su desarrollo es más intrincada que en la mayor parte de la música sinfónica rusa del siglo XIX.








Glazunov pertenecía a la que alguna vez se dio en llamar la "segunda generación" de compositores rusos. El siguió y en gran medida continuó la obra de los "Cinco Magníficos" -Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Borodin, Balakirev y Cui- y su contemporáneo Chaikovski.

Esta primera generación había bregado, tanto en sus composiciones como en sus actividades profesionales, para establecer una escuela nacional de composición rusa. Estaban interesados en determinar hasta qué punto su música debía ser como la de Occidente (principalmente Alemania e Italia), y en qué medida debía usar expresiones y armonías colorísticas y orquestaciones del folclore ruso nativo. Fue amplia la gama de opiniones y los compositores de la primera generación sucumbieron en diferentes grados a la tentación de imitar a sus colegas occidentales. Sin embargo, lograron construir un repertorio sinfónico nativo. Para cuando Glazunov llegó a su madurez, la batalla por lograr un estilo autóctono ya había sido ganada.

Varios factores contribuyeron a la posterior decadencia del nacionalismo ruso durante la vida de Glazunov. En la medida en la que los europeos occidentales se volvieron más conscientes del espíritu nacionalista ruso, la fecundación mutua fue inevitable, Los viajes eran entonces más fáciles y el nacionalismo, que había alcanzado su punto culminante alrededor de 1860, estaba enfrentándose a la violenta embestida del internacionalismo traído a Moscú y San Petersburgo por los viajeros de Occidente. Además, la antigua generación se moría. Para 1890 habían fallecido los novelistas Dostoievsky y Turgeniev y ya estaban escritas la mayoría de las obras principales de Tolstoi. El liberalismo cultural del siglo XIX estaba empezando a dar paso al conservadurismo del siglo XX. En música, Chaikovski escribía sus últimas obras, Rimsky-Korsakov se estaba convirtiendo en un pedante académico que enseñaba a sus estudiantes principalmente los clásicos alemanes, y Borodin y Mussorgsky habían muerto. El futuro de la música rusa quedó en manos de Glazunov y sus contemporáneos Taneyev, Arensky, Ippolitov-Ivanov y Liadov,

Estos compositores no tuvieron que luchar para establecer la validez de su arte; la heredaron. No tuvieron que forjar un nuevo estilo; eso también les fue entregado. De manera que no crearon música con la desenfrenada vitalidad que emana de crear un idioma nuevo. Su tarea fue más bien reconciliar el nacionalismo ruso con las tradiciones de la música occidental de los siglos anteriores. Esto constituyó más un desafío intelectual que espontáneo y no es sorprendente que muchos de estos compositores se hayan recluido en el academicismo. Tampoco es sorprendente que en este deseo de integración con Europa occidental estuviera implícita la semilla de la destrucción del nacionalismo ruso. Es típico de su generación que la mayoría de las obras importantes de Glazunov hayan sido escritas antes de que cumpliera los cuarenta años y que sus últimas piezas sean menos coloridas y menos entusiastas que las anteriores. El Concierto para Violín es prácticamente su última obra compuesta antes del principio de esta decadencia.

Glazunov tenía un gran talento. Empezó a componer a la edad de 11 años. A los 14 tomaba lecciones con Rimsky-Korsakov, quien decía que este joven discípulo progresaba "no día a día sino hora a hora". Cuando Glazunov tenía 16 años, presentó su primera sinfonía. Su profesor informó: "El público quedó anonadado al verle aparecer vestido con su uniforme de escuela secundaria para agradecer los aplausos. Pero hubo algunos pocos rezongos de parte de la crítica. Y caricaturas en los diarios describiendo a Glazunov como un niño de pecho. Corría el rumor de que la sinfonía no había sido escrita por él sino encargada por sus padres, que eran ricos, a 'ya sabes quién'."

Como consecuencia de este estreno, Glazunov se convirtió, a pesar de su juventud, en miembro de un círculo informal que incluía a los compositores más importantes de Rusia. En 1884 viajó a Alemania, donde Liszt se sintió impresionado por una interpretación de ia Primera Sinfonía. Glazunov fue cautivado por las innovaciones de la música de Liszt, Wagner y Brahms y, como resultado de su estudio de esas partituras, el nacionalismo ruso de sus propias obras dio lugar a un estilo algo más internacional.

Unos pocos años después, cuando murió su amigo Borodin, Glazunov asumió la tarea de terminar y editar varias de sus obras inconclusas. Glazunov pudo escribir de memoria la Obertura de Príncipe Igor, que le había escuchado interpretar a Borodin una vez en el piano.

En 1899 Glazunov fue nombrado profesor en el Conservatorio de San Petersburgo. Compuso su Concierto para Violín, que dedicó al gran violinista Leopold Auer, en 1904. La obra fue estrenada, primero en Inglaterra por el joven Mischa Elman y luego en Rusia por Auer, en 1905. Ese mismo año Glazunov renunció al Conservatorio como protesta por el despido de Rimsky-Korsakov, que había sido destituido por simpatizar con los estudiantes en huelga. Ambos hombres fueron nuevamente nombrados después de unos pocos meses y Glazunov se convirtió en director del Conservatorio. Estaba entonces en la cúspide de su fama: su música se interpretaba en muchos países, había viajado por Occidente y había recibido doctorados honorís causa por las Universidades de Cambridge y de Oxford.

La vida agitada de administrador académico se cobró su tributo. Las obras de Glazunov perdieron mucho, tanto en cantidad como en calidad después de que asumió la dirección del Conservatorio. Sin embargo ocupó ese cargo hasta 1930. Fue un profesor dedicado y ayudó a muchos estudiantes, incluso a Prokofiev y Shostakovich. Con el tiempo, sin embargo, llegó a ser considerado por los estudiantes del Conservatorio como irremediablemente pasado de moda. Su cargo se había convertido en el de un guardián de la tradición contra la amenaza de modernistas occidentales, tales como Stravinsky, Schoenberg, Strauss y Mahler.

La Revolución Rusa de 1917 dificultó la vida de Glazunov. Fue obligado a mudarse, con su anciana madre, a un apartamento de dos habitaciones sin calefacción. Allí, el famoso compositor recibió a muchos distinguidos visitantes, incluyendo al autor H. G. Weíis. Este recordaba: "[Glazunov] solía ser un hombre grande y rubicundo, pero ahora estaba pálido y muy debilitado, de modo que su ropa le quedaba floja... Me dijo que todavía componía pero que sus reservas de papel con pentagrama para la música estaban casi agotadas." A pesar de sus penurias Glazunov se mantuvo activo como director, administrador y compositor.

En 1928 obtuvo permiso para ausentarse del Conservatorio y viajar a Occidente. Fue como director invitado a muchos países, incluyendo Estados Unidos. Como su salud se estaba deteriorando, renunció al Conservatorio y permaneció en París los últimos años de su vida.

La estructura del Concierto para Violín muestra la influencia de Liszt. Como el Segundo Concierto para Piano de Liszt, la obra de Glazunov está escrita como un solo movimiento extenso que contiene secciones correspondientes al concierto tradicional de tres movimientos. El primer "movimiento" es interrumpido después de la exposición de los temas principales por un "movimiento" lento en la distante clave de Re bemol mayor. Después de este andante se reanuda el "movimiento" de la apertura con un desarrollo de sus temas, que culmina en una cadencia escrita en su totalidad. En lugar de la recapitulación de los temas de la apertura, la música se convierte en un rondó que hace las veces de final.

El concierto es un buen ejemplo de la inclinación que Glazunov sentía por los temas tanto rusos como occidentales. Los temas tienen, en efecto, ecos lejanos de melodías folclóricas rusas, pero la manera de su desarrollo es más intrincada que en la mayor parte de la música sinfónica rusa del siglo XIX. El "movimiento" final, sin embargo, se aproxima más a la música nacionalista de Borodin, por ejemplo. Esta sección tiene una gran riqueza de melodías maravillosas, nuevamente con más de un atisbo en ellas de la vieja Rusia. Además, la sección se desarrolla más a través de la variación y alternancia de estos temas, que por el desarrollo verdadero. Este procedimiento tiene más reminiscencias de la música de la "primera generación" de rusos que de la de sus homólogos occidentales.
 
Más Notas
Concierto N° 3 para Piano y Orquesta de Béla Bartók
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Don Juan de Richard Strauss

Ver Historial




Breves

  • HECTOR BERLIOZ

    Fue un creador cuyo obstáculo fue la intransigencia de la mayoría de los músicos en casi todos los temas, desde su apoyo al uso del saxofón o a la nueva visión dramática de Wagner. Su vida fue excéntrica y apasionada. Ganó el Premio de Roma, el más importante de Francia en aquel momento, por una cantata hoy casi olvidada. Su obra musical es antecesora de estilos confirmados posteriormente.

  • El aprendiz de brujo de Paul Dukas se basa en una balada de Goethe. Es un scherzo sinfónico que describe fielmente cada frase del texto original.

  • La primera ópera de la que se conserva la partitura es Orfeo de Claudio Monteverdi. Se estrenó en Mantua en 1607, con motivo de la celebración de un cumpleaños, el de Francesco Gonzaga.

  • La obra que Stravinski compuso desde la época del Octeto de 1923 y hasta la ópera The Rakes Progress de 1951, suele considerarse neoclasicista.

  • En la Edad Media encontramos la viela de arco, de fondo plano y con dos a seis cuerdas, que se perfeccionó en la renacentista, hasta llegar a su transformación en el violín moderno a partir del siglo XVI, cuando se estableció una tradición de excelentes fabricantes (violeros) en la ciudad de Cremona.


Citas

  • DANIEL BARENBOIM

    "Un director no tiene contacto físico con la música que producen sus instrumentistas y a lo sumo puede corregir el fraseo o el ritmo de la partitura pero su gesto no existe si no encuentra una orquesta que sea receptora"

  • GEORGE GERSHWIN

    "Daría todo lo que tengo por un poco del genio que Schubert necesitó para componer su Ave María"

  • GUSTAV MAHLER

    "Cuando la obra resulta un éxito, cuando se ha solucionado un problema, olvidamos las dificultades y las perturbaciones y nos sentimos ricamente recompensados"

  • FRANZ SCHUBERT

    "Cuando uno se inspira en algo bueno, la música nace con fluidez, las melodías brotan; realmente esto es una gran satisfacción"

  • BEDRICH SMETANA

    "Con la ayuda y la gracia de Dios, seré un Mozart en la composición y un Liszt en la técnica"

MULTIMEDIA

  • Der Vogelfaenger Bin Ich Ja

    Bryn Terfel (Papageno)

  • Follie!... Sempre libera

    Joan Sutherland (Violetta Valéry)

  • Un americano en Paris

    George Gershwin

  • Suite Gayanéh

    Gopak

  • Estudio Nº 12

    Frederic Chopin

  • Danza macabra

    Camille Saint Saens

  • Hágase la Música en Radio Brisas

    Ciclo 2011 - Programa N° 3

  • Johannes Brahms

    Biografía

Intérpretes

Voces

Reynaldo Martín

Reynaldo Martín

Los años 60, fueron muy difíciles para el tango. El rock se había impuesto en la juventud y la política cultural y los medios de comunicación apoyaban más al folklore que a la música ciudadana. El tango estaba "en baja", no se vislumbraba ninguna figura en el horizonte y los tangueros se guarecían en los pocos refugios que había en Buenos Aires. En esas apareció un muchachito rubio, con pinta de galán televisivo, simpático y muy sencillo. Reynaldo Martín fue un remanso de aire puro que enseguida atrajo al público con su voz expresiva y fresca, con una muy buena dicción y, lo que es más importante, afinado.

Músicos

Julio De Caro

Julio De Caro

Su carrera se desarrolló a través de cuatro actividades principales: fue director, compositor, arreglista y violinista. Se convirtió en uno de los grandes intérpretes de la generación de 1910, pero a partir de 1923 creó un estilo original que lo convirtió en líder de su generación y modelo de las siguientes. En 1927 grabó su primer disco. Entre sus grandes éxitos cabe mencionar: "El malevo", "Boedo", "Berretín", "Nobleza de arrabal" y "Flores negras". De Caro fue de los primeros en comprender que el destino del tango era la música y avanzó en esa dirección, hasta donde le dio el aliento.

Voces

Rosita Quiroga

Rosita Quiroga

En La Boca, de la mano de un maestro ejemplar, Juan de Dios Filiberto, vecino y amigo de la familia Quiroga, Rosita dio sus primeros pasos con la guitarra a la edad de siete años. El tango no era por entonces cosa de niñas. De modo que la joven Rosita se inició en el arte del canto al compás de los valsesitos, la zamba y la canción campera. Cantaba en reuniones y fiestas de familia. Eran los años de Filiberto y Quinquela Martín, La Boca festejaba ruidosos carnavales y Rosita, que vivía en una casa de chapa y madera, se mezclaba en las murgas del barrio.

Junín, 13/06/2016

Presentaron “Tango en Junín”

Los amantes del tango podrán disfrutar de diversas actividades durante cinco días en Junín. El intendente la Ciudad, Pablo Petrecca, presentó oficialmente “Tango en Junín”, un importante ciclo cultural que se desarrollará entre el 13 y el 17 de julio próximos e incluirá la realización de la preliminar del Festival y Mundial de Tango BA 2016.

Mar del Plata, 30/05/2016

Amelita Baltar en el Teatro Colón

El sábado 11 de Junio a las 21 hs se presentará en el Teatro Municipal Colón la gran cantante Amelita Baltar, acompañada por la Orquesta Municipal de Tango que dirige el Maestro Julio Davila y el pianista Aldo Saralegui como invitado especial. Luego de su presentación en Mar del Plata, la cantante estrenará un nuevo espectáculo: "Noches de Kabaret" en el Teatro Maipo de Buenos Aires.

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