Lunes, 19 de Febrero de 2018

Clásica y Ópera | Obras Maestras

Concierto para piano y orquesta Nº 2 de Serguei Rachmaninov

Concierto para piano y orquesta Nº 2 de Serguei Rachmaninov

Existen composiciones las cuales a través de la historia musical se han constituido verdaderos hitos para la sociedad amante del arte de combinar los sonidos. Estas se han convertido en “materia obligatoria” para las estructuras orquestales como también para los solistas tanto en los conciertos como en las grabaciones. Los anaqueles de las casas musicales siempre deben tener a disposición del público esas creaciones, como ser, y solamente para citar algunos pocos ejemplos, los conciertos de Beethoven y los de Mozart, sus sinfonías, sonatas, etc.; es inconcebible no satisfacer la gran demanda de las mismas. Pero a ello se pueden agregar obras como los conciertos para piano y orquesta de Serguei Rachmaninov, específicamente el Nº 2 en do menor.








Es llamativo el motivo o las circunstancias por las cuales surgió esta bella composición. Al momento de comenzar a componerla su autor salía de una profunda depresión emocional, la cual tuvo como detonante el fracaso de su 1ra. Sinfonía. En efecto, esta obra se había estrenado en 1897, es decir, cuando Serguei Vasilievich tenía 24 años de edad. Se cuenta que la primera audición se hizo bajo la batuta del compositor y profesor del conservatorio de San Petersburgo Alexander Glazunov, el que desgraciadamente estaba en ese momento algo “excedido de copas” y por lo tanto la ejecución de esta composición dejó mucho que desear. El resultado fue lamentable y por dicha causa la crítica prácticamente defenestró al joven Rachmaninov. Esto le produjo una profunda depresión, lo cual lo indujo a dejar de componer y dedicarse sólo a la dirección orquestal.

El estado emocional de este músico llegó a tal punto que se tuvo que poner bajo el tratamiento de un famoso psiquiatra, el Dr. Nikolai Dahl. Como este también era músico, violonchelista, pudo comprender el estado emocional de su paciente y de esta forma determinar cuál debía ser la metodología que tenía que emplear para manejar a su paciente. Trabajó con él durante todo el año del comienzo del siglo XX y con resultados sumamente positivos, puesto que el músico en cuestión salió de su depresión y pudo retornar a la composición (de todas maneras es necesario aclarar que las depresiones anímicas fueron una constante a lo largo de la vida de Rachmaninov).

Después de hacer un viaje por Italia, Rachmaninov se puso a trabajar en este concierto el cual ejecutó frente al público en 1901, pero con una característica muy llamativa: se hizo con los movimientos “Adagio sostenuto” y “Allegro scherzando”, en otras palabras, con lo que ahora se conoce como el 2do. y 3er. movimiento. Añadió el 1ro. en la primavera de 1901 y ofreció la versión completa -es decir, tal como la conocemos hoy en día- el 27 de octubre de ese mismo año, con un inmenso éxito de los críticos musicales y el público. Esto trajo como consecuencia el ansiado resurgimiento de Rachmaninov como uno de los más grandes músicos, especialmente los pertenecientes al siglo XX. La obra la dedicó a la persona que lo había ayudado a salir de la profunda crisis emocional, el Dr. Nikolai Dahl.
Es de hacer notar que en un principio el mismo compositor hizo comentarios sobre la estructura técnica de este concierto. En una carta enviada a un amigo suyo llamado Nikita Morozov, le manifestó que:
Acabo de tocar de punta a punta el primer movimiento de mi concierto y recién ahora se me hace claro que la transición del primer tema al segundo no es buena y que en esta forma el primer tema no es más que una introducción y que, cuando comienza el segundo tema, ningún tonto creerá que lo es. Todo el mundo pensará que es el comienzo del concierto. Considero que todo el movimiento está arruinado y a partir de este momento se ha convertido en verdaderamente horroroso para mí. ¡Estoy simplemente desesperado! 
En otras palabras, Rachmaninov se juzgó a sí mismo con suma severidad, contrariamente a lo que juzgó el público asistente a su concierto: gran aprobación.

El concierto se abre con una serie de acordes básicos (8) los cuales van creciendo en intensidad para entrar luego a una hermosa melodía. Una de las características de esta creación, es que tiene en ciertos momentos algunas similitudes con los conciertos de Chaikovski (compositor al cual Rachmaninov admiraba de todo corazón). En ese sentido en determinados pasajes es el piano el que hace el “acompañamiento” de la orquesta. Algunos son de la opinión que este enfoque de Rachmaninov se debía a que simultáneamente al elaborar esta composición, también estaba acompañando al piano en varios recitales al famoso cantante Fedor Chaliapin. Otra característica de este concierto es que sus tres movimientos están entrelazados de forma original, lo cual  consiste en que cada uno de ellos comienza con la tonalidad que finalizó la anterior. Esta obra concluye con un gran ímpetu y fuerza.

Pero, ¿por qué se puede relacionar nada menos que a Hollywood con esta obra musical? ¿Tuvo algo que ver la meca del cine con la popularidad de esta composición del maestro ruso? Por su puesto que sí, aunque ello no hubiera sido necesario; pero esta obra posee melodías de tal calidad, que llegaron a constituirse en el tema central de películas tales como el film ingles "El séptimo velo" (1946), como también en "Siempre te he querido" (1946) y "Rapsodia" (1954). Hay que destacar que las distintas melodías de esta creación no han servido simplemente como "fondo musical" sino que hasta llegan a sostener la corriente argumental de estos films. Pero el hecho de que la cinematografía haya tenido este reconocimiento hacia el Concierto Nº 2 de Rachmaninov, no significa que la misma tenga poco valor desde el punto de vista estético musical. También se han utilizado otras composiciones para tal fin, como ser obras de Serguei Prokofiev y hasta a Gustav Mahler. 

El concierto Nº 2 de Rachmaninov ha sido -y sigue siendo- el "caballito de batalla" de grandes pianistas, ejecutado en público y grabado por el propio compositor, como también Benno Moiseivitch, Walter Gieseking, Arthur Rubinstein, Alexis Weisemberg, Vladimir Ashkenazy, Felicia Blumenthal, Daniel Barenboim, Alexander Brailowsky, Yefim Bronfman van Cliburn, François R. Douchable, Philippe Entremont, Andrei Gavrilov, Gary Graffman, Horacio Gutierrez, Jenö Jándo, Byron Manis, Julius Katchen, Eugéne List, Jewgeni Kissin, Garrik Ohlsson, Rafael Orozco, Sviatoslav Richter, Jean Y. Thibaudet, Alexis Sultanov, Earl Wild, Cristina Ortiz, Eileen Joyce, Steven de Groote, Elisa Bolkvadze, Agustin Anievas, Victor Eresco, Geza Anda, Vásáry Tamás, Rut Laredo, Leonard Pennario, Abey Simon y otros más.
Todos estos artistas del teclado han grabado y ejecutado este famoso concierto tanto por su buen gusto musical como también por parte de los que los escuchan.

Jorge de Hegedüs

 
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Breves

  • HECTOR BERLIOZ

    Fue un creador cuyo obstáculo fue la intransigencia de la mayoría de los músicos en casi todos los temas, desde su apoyo al uso del saxofón o a la nueva visión dramática de Wagner. Su vida fue excéntrica y apasionada. Ganó el Premio de Roma, el más importante de Francia en aquel momento, por una cantata hoy casi olvidada. Su obra musical es antecesora de estilos confirmados posteriormente.

  • El aprendiz de brujo de Paul Dukas se basa en una balada de Goethe. Es un scherzo sinfónico que describe fielmente cada frase del texto original.

  • La primera ópera de la que se conserva la partitura es Orfeo de Claudio Monteverdi. Se estrenó en Mantua en 1607, con motivo de la celebración de un cumpleaños, el de Francesco Gonzaga.

  • La obra que Stravinski compuso desde la época del Octeto de 1923 y hasta la ópera The Rakes Progress de 1951, suele considerarse neoclasicista.

  • En la Edad Media encontramos la viela de arco, de fondo plano y con dos a seis cuerdas, que se perfeccionó en la renacentista, hasta llegar a su transformación en el violín moderno a partir del siglo XVI, cuando se estableció una tradición de excelentes fabricantes (violeros) en la ciudad de Cremona.


Citas

  • DANIEL BARENBOIM

    "Un director no tiene contacto físico con la música que producen sus instrumentistas y a lo sumo puede corregir el fraseo o el ritmo de la partitura pero su gesto no existe si no encuentra una orquesta que sea receptora"

  • GEORGE GERSHWIN

    "Daría todo lo que tengo por un poco del genio que Schubert necesitó para componer su Ave María"

  • GUSTAV MAHLER

    "Cuando la obra resulta un éxito, cuando se ha solucionado un problema, olvidamos las dificultades y las perturbaciones y nos sentimos ricamente recompensados"

  • FRANZ SCHUBERT

    "Cuando uno se inspira en algo bueno, la música nace con fluidez, las melodías brotan; realmente esto es una gran satisfacción"

  • BEDRICH SMETANA

    "Con la ayuda y la gracia de Dios, seré un Mozart en la composición y un Liszt en la técnica"

MULTIMEDIA

  • Follie!... Sempre libera

    Joan Sutherland (Violetta Valéry)

  • Sinfonía Nº 9

    Anton Bruckner

  • Preludio a la siesta de un fauno

    Claude Debussy

  • Sinfonía Nº 3 "Órgano"

    Camille Saint Saens

  • Sonata para piano

    K443 in D major

  • Pequeña música nocturna

    Wolfgang Amadeus Mozart

  • La Coccinelle

    Cecilia Bartoli

  • Hágase la Música en Radio Brisas

    N° 7 - 17 de octubre de 2010

Intérpretes

Músicos

Agustín Bardi

Agustín Bardi

Hacia 1908 y en algunos cafetines de camareras de La Boca emplazados frente al Riachuelo, "El bar de la taquera" y el "Café del Griego", debutaba Agustín Bardi integrando, como violinista, un trío con Ravina y Benigno, y más tarde un cuarteto con el Tano Genaro Espósito. Al poco tiempo pasó al café "La Marina" donde interpretó públicamente el piano por primera vez. En 1911 actuó en "El Estribo" y ese mismo año compuso su primer tango: Vicentito, dedicado al bandoneonista Vicente Greco.

Músicos

Antonio Agri

Antonio Agri

Antonio Agri compartió casi tres lustros de música con Astor Piazzolla. Agri era santafesino y violinista casi autodidacto, según su definición. Abandonó Rosario, junto con su puesto en la Sinfónica local, a los 28 años. En Buenos Aires lo esperaba el tango y una prueba con Piazzolla, quien demoró seis meses en resolver la admisión pero lo hizo en forma rotunda y definitiva. En el tango sumó, entre muchas otras, la experiencia de ser convocado en ocasiones por Aníbal Troilo, de animar dos de las etapas de vida del Quinteto Real -junto a Horacio Salgán- y su propio Quinteto con sede en París, codirigido por el bandoneonista Juan José Mosalini.

Músicos

Hugo Baralis

Hugo Baralis

Precoz, como muchos músicos de su generación, Hugo Baralis debutó, a los 18 años, como violinista en la reconocida orquesta de Minotto-Di Cicco. Cultor de un estilo elegante y decidor, comenzó a llamar la atención del mundo tanguero por su estilización del tango en el violín. Heredero de la escuela de Elvino Vardaro, pero con un personal sonido, logró imponer su refinamiento en grabaciones que lo sobreviven para el Octeto Buenos Aires de Astor Piazzolla.

Junín, 13/06/2016

Presentaron “Tango en Junín”

Los amantes del tango podrán disfrutar de diversas actividades durante cinco días en Junín. El intendente la Ciudad, Pablo Petrecca, presentó oficialmente “Tango en Junín”, un importante ciclo cultural que se desarrollará entre el 13 y el 17 de julio próximos e incluirá la realización de la preliminar del Festival y Mundial de Tango BA 2016.

Mar del Plata, 30/05/2016

Amelita Baltar en el Teatro Colón

El sábado 11 de Junio a las 21 hs se presentará en el Teatro Municipal Colón la gran cantante Amelita Baltar, acompañada por la Orquesta Municipal de Tango que dirige el Maestro Julio Davila y el pianista Aldo Saralegui como invitado especial. Luego de su presentación en Mar del Plata, la cantante estrenará un nuevo espectáculo: "Noches de Kabaret" en el Teatro Maipo de Buenos Aires.

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