Martes, 25 de Abril de 2017

Clásica y Ópera | Obras Maestras

Concierto N° 3 para piano y orquesta de Sergei Prokofiev

Por Jorge de Hegedüs - Los conciertos 1, 2, 4 y 5 de Serguei Prokofiev despertaron opiniones sumamente encontradas en sus respectivos estrenos e inclusive en épocas siguientes. Estas creaciones han sido muy controversiales, con reacciones sumamente negativas en la mayoría de las salas en las salas en las cuales fueron presentados: rechiflas, gritos de desaprobación, e inclusive, con algunas pocas excepciones, opiniones adversas a través de la prensa escrita: “cacofonía que nada tiene que ver con la música”, “fango musical”, “derrame accidental de tinta sobre el pentagrama” y otros epítetos. Su tercer concierto ha escapado en gran medida a las críticas de las composiciones anteriormente citadas.








El tercer concierto para piano y orquesta tardó varios años en salir a la luz, es decir, desde sus esbozos iniciales hasta el día de su estreno, puesto que empezó a ser ideada ya en el año 1911 y recién fue puesta en escena 10 años más tarde: el 16 de diciembre, 1921. El propio Prokofiev actuó como solista y teniendo al alemán Frederick Stock (1872 – 1942) como conductor al frente de la orquesta sinfónica de Chicago. La aceptación del público fue excelente ya desde un principio, y gracias también a la gestión del director de orquesta ruso Serge Koussevitzky (1874 – 1951), quien la dirigió en París en 1922, esta creación logró todavía mayor aceptación, sea por el público como también los críticos musicales de Francia − aunque no por el grupo de los “seis”− (Auriac, Satie, Stravinski, Milhaud, Honegger y Poulenc).

Es sumamente llamativo y hasta jocoso el antecedente para su estreno en Chicago. El público de esa ciudad estaba a la expectativa para ver al compositor y solista quien había rechazado una generosa entrada de dinero para el estreno de su ópera “El amor por las tres naranjas”. Pues bien, Prokofiev no aceptó una jugosa oferta para que parte de su ópera sirviera para hacer propaganda para cierta marca de naranjas. ¡Para la gente criada en un país capitalista ello era impensable! Este público no quedó en absoluto defraudado con el concierto: el éxito fue muy grande. Por esta causa Prokofiev estrenó dicha obra en N. York (junto con el “Amor por … ”), pero ni uno ni lo otro agradaron al público neoyorquino. En ello quizás haya influido por la rivalidad que existía entre ambas ciudades.

Esta composición, además del piano solista, comprende los siguientes instrumentos:
Maderas: 2 flautas, 1 píccolo, 2 oboes, 2 clarinetes y 2 fagots.
Metales: 4 trompas, 2 trompetas y 3 trombones.
Percusión: timbal, bombo, platillos, castañuelas y pandereta.                 
Cuerda: violines, violas, cellos y contrabajos.
Movimientos: I. Andante - Allegro, II. Tema con variazioni, III. Allegro, ma non troppo.

Para el primer movimiento Prokofiev se valió de algunos esbozos de un cuarteto de cuerdas que había compuesto años antes, creación que decidió finalmente descartarla. Pero las mismas ahora tuvieron su utilidad. Está escrita en do mayor. Comienza con un andante 4/4 mediante un solista, pero que lo hace con un clarinete. Aquí se aprecia una hermosa melodía la cual dura unos pocos compases, para dar enseguida paso a la orquesta con un “crescendo” que desemboca finalmente con la entrada impetuosa del piano. Por lo tanto del andante se pasó a un allegro. A partir de esta instancia el solista muestra una combinación de “muchos dedos” con una sucesión de acordes rítmicos de gran envergadura. Luego de ello escuchamos un segundo tema mediante un pasaje con acordes en donde también aparece un oboe acompañado por un pizzicato. Pero Prokofiev enriquece esto para dar lugar luego a un vigoroso enfoque de tresillos. Al finalizar este primer movimiento, se vuelve al tema inicial con un violento crescendo. De todas maneras debemos destacar que es el aspecto lírico el que domina a esta primera parte del concierto.

El segundo movimiento también se enfoca con enorme riqueza pues presenta nada menos que cinco variaciones. Comienza con la orquesta mediante un andantino, hasta se puede decir que "marcial” y melódica actuación del piano y la orquesta. Luego de ello sigue un segundo y tercer tema mediante un enfoque de allegro. En el cuarto tema se vuelve al andante, con una combinación de hermosos acordes mediante el piano y la orquesta. En ella aparece el tema inicial de este tercer tema, pero con una enorme delicadeza por parte del piano, teniendo a la orquesta de fondo. La quinta variación es de carácter enérgico: allegro giusto. Luego esto conduce nuevamente a delicados acordes mediante el solista.

El último movimiento, el tercero (3/4), comienza con la entrada del fagot junto a cuerdas en la modalidad de pizzicato, para dar paso a la aparición del piano solista. Aquí se observa luego una hermosa alternancia por parte del pianista con la orquesta, para pasar a una melódica actuación de esta última y en la cual la "intensidad” de la obra se aliviana o aligera por un tiempo. Finalmente el concierto concluye con una “coda” en la cual se alternan el piano y la orquesta.

Esta obra, y como se señalara con anterioridad, es el que ha tenido la mayor aceptación entre todos los conciertos de Sergei Prokofiev, aceptación por su gran riqueza musical, colorido y variantes en todos los aspectos técnicos y melódicos.

Gran cantidad de solistas lo han abordado tanto en salas de conciertos como también en versiones discográfica – electrónicas. Las más conocidas son las que tuvieron los siguientes solistas: Serguei Prokofiev, Moura Limpany, Vladimir Ahkenazy, Yefim Bronfman, Miche Bérof, Yevgeni Kissin, Van Cliburn, Gary Graffman, Jorge Bolet y Gabriel Tacchino.

Jorge de Hegedüs


Más Notas
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Breves

  • HECTOR BERLIOZ

    Fue un creador cuyo obstáculo fue la intransigencia de la mayoría de los músicos en casi todos los temas, desde su apoyo al uso del saxofón o a la nueva visión dramática de Wagner. Su vida fue excéntrica y apasionada. Ganó el Premio de Roma, el más importante de Francia en aquel momento, por una cantata hoy casi olvidada. Su obra musical es antecesora de estilos confirmados posteriormente.

  • El aprendiz de brujo de Paul Dukas se basa en una balada de Goethe. Es un scherzo sinfónico que describe fielmente cada frase del texto original.

  • La primera ópera de la que se conserva la partitura es Orfeo de Claudio Monteverdi. Se estrenó en Mantua en 1607, con motivo de la celebración de un cumpleaños, el de Francesco Gonzaga.

  • La obra que Stravinski compuso desde la época del Octeto de 1923 y hasta la ópera The Rakes Progress de 1951, suele considerarse neoclasicista.

  • En la Edad Media encontramos la viela de arco, de fondo plano y con dos a seis cuerdas, que se perfeccionó en la renacentista, hasta llegar a su transformación en el violín moderno a partir del siglo XVI, cuando se estableció una tradición de excelentes fabricantes (violeros) en la ciudad de Cremona.


Citas

  • DANIEL BARENBOIM

    "Un director no tiene contacto físico con la música que producen sus instrumentistas y a lo sumo puede corregir el fraseo o el ritmo de la partitura pero su gesto no existe si no encuentra una orquesta que sea receptora"

  • GEORGE GERSHWIN

    "Daría todo lo que tengo por un poco del genio que Schubert necesitó para componer su Ave María"

  • GUSTAV MAHLER

    "Cuando la obra resulta un éxito, cuando se ha solucionado un problema, olvidamos las dificultades y las perturbaciones y nos sentimos ricamente recompensados"

  • FRANZ SCHUBERT

    "Cuando uno se inspira en algo bueno, la música nace con fluidez, las melodías brotan; realmente esto es una gran satisfacción"

  • BEDRICH SMETANA

    "Con la ayuda y la gracia de Dios, seré un Mozart en la composición y un Liszt en la técnica"

MULTIMEDIA

  • Hágase la Música en Radio Brisas

    Ciclo 2011 - Programa N° 11

  • Sonata violín y piano N° 1

    Johannes Brahms

  • Hágase la Música en Radio Brisas

    Ciclo 2011 - Programa N° 15

  • Casta diva

    Renée Fleming (Norma)

  • Voces de primavera

    Johann Strauss

  • Mario! Mario! Mario!

    Renata Tebaldi (Floria Tosca) - Mario del Monaco (Mario Cavaradossi)

  • Hágase la Música en Radio Brisas

    Ciclo 2012 - Programa N° 27

  • Sinfonía Nº 6 "Patética"

    Piotr Illich Chaikovski

Intérpretes

Músicos

Atilio Stampone

Atilio Stampone

Gran pianista, arreglador, director y compositor, que une a su técnica interpretativa la sensibilidad de aquellos elegidos para elaborar una música superior. Con él es posible rememorar climas propuestos por los más grandes creadores del tango que lo antecedieron. A veces es Di Sarli, otras veces De Caro y Fresedo. Como pianista y arreglador, tuvo la influencia de sus contemporáneos Horacio Salgán y, fundamentalmente, de Astor Piazzolla, con quien actuó como pianista en la orquesta de 1946. En su obra de compositor se destacan: "Afiches", "Con pan y cebolla", "De Homero a Homero" y "Desencanto", entre otros.

Músicos

José Libertella

José Libertella

Los que disfrutaron de su música sobre el escenario lo recordarán, seguramente, con esa pasión que ponía cada vez que acomodaba el paño sobre sus rodillas, tomaba el instrumento y cumplía con el ritual de la función. Y quizá como ese hombre apasionado al que le saltaba la tanada ajustando cada detalle, preocupado porque el sonido o las luces no eran los óptimos. José Libertella nació en Calvera, Italia, su padre Juan construía tejas y trabajaba la tierra, fue el primero en emigrar a la Argentina. José lo siguió el 7 de junio de 1934, tenía once meses, viajó en el buque Principessa María en brazos de su madre.

Orquestas

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