Lunes, 18 de Junio de 2018

Clásica y Ópera | Compositores

George Gershwin

George Gershwin

Gershwin supo adaptar los géneros populares al entorno clásico. En Estados Unidos su obra es valorada y reconocida con homenajes, festivales y concursos de composición. Aunque sus trabajos no son perfectos, resulta un detalle insignificante en comparado con su inventiva melódica, su sentido del ritmo, y un talento extraordinario para crear melodías que se siguen tarareando tras decenas de años. Fue un compositor popular que creó un sonido identificatorio para la música de su país.








Faltaban todavía unos meses para que "Lady Be Good", protagonizada por los hermanos Astaire, lo convirtiera en el dueño absoluto de Broadway y el West End londinense, pero ya George Gershwin era reconocido y envidiado como el mejor autor de canciones y teatro musical surgido después de Irving Berlin.

Joven, rico, célebre y extremadamente arrogante, no tenía necesidad de la suma ínfima que Paul Whiteman le pagó por escribir "Rapsodia en Blue", ni de arriesgarse al rechazo reservado para los compositores populares cada vez que intentaban obras ambiciosas.

También en ese cruce al ámbito hostil de las salas de concierto le fue maravillosamente. Estrenada con él al piano en febrero de 1924, "Rapsodia..." resultó un clásico instantáneo y creó demanda por más música instrumental de Gershwin, que en las temporadas siguientes continuó alternando shows musicales con abundancia de lindas melodías y piezas sinfónicas influidas por el impresionismo francés y coloreadas por el jazz.

En 1925, el estreno del "Concierto en Fa", en el Carnegie Hall, coincidió con los de "Tip-Toes" y "Song of the Flame" en teatros vecinos, el poema orquestal "Un americano en París" llegó en 1928, pocos meses después de "Funny Face", la "Segunda Rapsodia" en 1932, precedida por "Of thee I Sing" y el año siguiente fue otra obra extensa -"Obertura cubana"- la que se adelantó a la comedia "Pardon my English".

Ningún otro compositor del siglo XX se movió con la misma eficacia en universos musicales tan distintos ni ha mantenido semejante popularidad y vigencia, ni siquiera Leonard Bernstein, cuya producción sinfónica está poco menos que olvidada y no llegó a escribir más que un par de óperas breves, incomparables con "Porgy and Bess", la obra maestra de George Gershwin que hace más de setenta años se cantó por primera vez en Nueva York, derrumbando el concepto de fronteras musicales y abriendo para los cantantes líricos negros oportunidades hasta entonces exclusivas de Paul Robeson.

Aunque no fue la primera ópera convencional protagonizada exclusivamente por negros y ya se habían escuchado magníficos elencos de cantantes de color con preparación clásica, igual "Porgy and Bess" apareció como una novedad trascendental gracias a una partitura que combinaba magistralmente tradición europea, folklore afroamericano y jazz, a sus arias concebidas para colores de voz muy especiales y al talento de Gershwin para atrapar desde el comienzo con un número inolvidable, en este caso la canción de cuna "Summertime", a cargo de un personaje secundario.

Pero igual que ahora, los costos de montar una ópera eran enormes y, luego de ciento veinticuatro representaciones -récord en la historia del género-, aquella primera producción acabó como un gran fracaso comercial, lo que no impidió que se siguiera reponiendo hasta alcanzar la categoría de símbolo cultural del país, representativo al punto de mandar, en plena Guerra Fría, una compañía a cantar "Porgy and Bess" en Moscú -Truman Capote registró esa gira en "Se oyen las musas"- y luego al teatro Astral de Buenos Aires, donde deslumbró durante tres semanas a menos de un mes de la caída de Perón.

Aunque dos o tres de las melodías principales merecieron en su momento cierta atención -una jovencísima Billie Holiday fue la primera en grabar "Summertime"-, los intérpretes populares se mantuvieron distantes de esa música durante dos décadas, hasta que un álbum producido por Norman Granz, en 1957, con Ella Fitzgerald y Louis Armstrong como protagonistas y enseguida la realización de una importante película dirigida por Otto Preminger, ahora imposible de ver, desencadenó centenares de versiones recomendables, entre ellas la singular revisión de Gil Evans, sin canto y con Miles Davis como único solista.

Fue otra de las tantas recreaciones que George Gershwin no alcanzó a disfrutar, porque luego de la debacle de "Porgy and Bess" le quedaba poco tiempo de vida y lo pasó en Hollywood, donde repentinamente le apareció un tumor cerebral inoperable que igual le extirparon y allí murió en 1937, sin llegar a cumplir cuarenta años.

Jorge H. Andrés  


Más Notas
Maurice Ravel
Félix Mendelssohn
Piazzolla más clásico que nunca
La tragedia de Georges Bizet
Juan Crisóstomo de Arriaga

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Breves

  • HECTOR BERLIOZ

    Fue un creador cuyo obstáculo fue la intransigencia de la mayoría de los músicos en casi todos los temas, desde su apoyo al uso del saxofón o a la nueva visión dramática de Wagner. Su vida fue excéntrica y apasionada. Ganó el Premio de Roma, el más importante de Francia en aquel momento, por una cantata hoy casi olvidada. Su obra musical es antecesora de estilos confirmados posteriormente.

  • El aprendiz de brujo de Paul Dukas se basa en una balada de Goethe. Es un scherzo sinfónico que describe fielmente cada frase del texto original.

  • La primera ópera de la que se conserva la partitura es Orfeo de Claudio Monteverdi. Se estrenó en Mantua en 1607, con motivo de la celebración de un cumpleaños, el de Francesco Gonzaga.

  • La obra que Stravinski compuso desde la época del Octeto de 1923 y hasta la ópera The Rakes Progress de 1951, suele considerarse neoclasicista.

  • En la Edad Media encontramos la viela de arco, de fondo plano y con dos a seis cuerdas, que se perfeccionó en la renacentista, hasta llegar a su transformación en el violín moderno a partir del siglo XVI, cuando se estableció una tradición de excelentes fabricantes (violeros) en la ciudad de Cremona.


Citas

  • DANIEL BARENBOIM

    "Un director no tiene contacto físico con la música que producen sus instrumentistas y a lo sumo puede corregir el fraseo o el ritmo de la partitura pero su gesto no existe si no encuentra una orquesta que sea receptora"

  • GEORGE GERSHWIN

    "Daría todo lo que tengo por un poco del genio que Schubert necesitó para componer su Ave María"

  • GUSTAV MAHLER

    "Cuando la obra resulta un éxito, cuando se ha solucionado un problema, olvidamos las dificultades y las perturbaciones y nos sentimos ricamente recompensados"

  • FRANZ SCHUBERT

    "Cuando uno se inspira en algo bueno, la música nace con fluidez, las melodías brotan; realmente esto es una gran satisfacción"

  • BEDRICH SMETANA

    "Con la ayuda y la gracia de Dios, seré un Mozart en la composición y un Liszt en la técnica"

MULTIMEDIA

  • Peter Grimes

    Benjamín Britten

  • Concierto para violín Op. 35

    Piotr Illych Chaikovski

  • La vida breve

    Manuel de Falla

  • Fini... me lassa!... Vieni fra queste braccia

    Juan Diego Flórez (Arturo)

  • Sinfonía Nº 3 "Renana"

    Robert Schumann

  • Candida

    Leonard Bernstein

  • George Gershwin

    Biografía

  • Scheherezade

    Nicolai Rimsky Korsakov

Intérpretes

Músicos

José Bragato

José Bragato

Violoncellista, pianista, arreglador y compositor. Formó parte de las orquestas de tango más relevantes de la época. Fue estable en la de Francini-Pontier pero el elegido de todos los maestros para las grabaciones como Aníbal Troilo, Atilio Stampone, Osvaldo Fresedo. En 1954 se sumó a la “patriada” de Astor Piazzolla: armar el Octeto Buenos Aires, que revolucionó al tango. El sonido especial de su violoncello, unido a su virtuosismo, le permitió jerarquizar el instrumento por lo que las orquestas típicas de entonces dieron entidad a este instrumento como solista a la par del violín, a partir del surgimiento de José Bragato como notable violoncellista.

Músicos

Héctor Stamponi

Héctor Stamponi

Héctor “Chupita” Stamponi fue pianista, director, compositor y arreglador. Juntamente con Eduardo Pereyra, Osvaldo Pugliese, Horacio Salgan, Lucio Demare, ha sido uno de los mayores solistas de piano, individualizado por su peculiar fraseo, su inconfundible manera de "decir" en el plano y de armonizar los temas.

Voces

Lidia Borda

Lidia Borda

Desde 1995 transformada en una de las principales intérpretes del género, Lidia Borda es admirada por público y crítica, quienes la consideran una cantante de culto y la mejor voz femenina surgida en las últimas décadas, despertando elogiosos comentarios. Moderna y original se remite a un repertorio clásico y poco transitado, registrado en parte en sus discos "Entre sueños", "Patio de tango" y "Tal vez será su voz".

Junín, 13/06/2016

Presentaron “Tango en Junín”

Los amantes del tango podrán disfrutar de diversas actividades durante cinco días en Junín. El intendente la Ciudad, Pablo Petrecca, presentó oficialmente “Tango en Junín”, un importante ciclo cultural que se desarrollará entre el 13 y el 17 de julio próximos e incluirá la realización de la preliminar del Festival y Mundial de Tango BA 2016.

Mar del Plata, 30/05/2016

Amelita Baltar en el Teatro Colón

El sábado 11 de Junio a las 21 hs se presentará en el Teatro Municipal Colón la gran cantante Amelita Baltar, acompañada por la Orquesta Municipal de Tango que dirige el Maestro Julio Davila y el pianista Aldo Saralegui como invitado especial. Luego de su presentación en Mar del Plata, la cantante estrenará un nuevo espectáculo: "Noches de Kabaret" en el Teatro Maipo de Buenos Aires.

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