Ópera DON PASQUALE de Gaetano Donizetti • Principales Interpretes: Ricardo Ortale, Paula Almerares, Víctor Torres y Carlos Natale (11, 16 y 18) Ana Laura Menéndez, Norberto Marcos, y Duilio Smiriglia (17) • Dirección musical: Javier Logioia Orbe • Régie: Alberto Félix Alberto • Escenografía e iluminación: Raúl Bongiorno • Vestuario: Sergio Massa • Director del Coro: Sergio Giai LIBRETO DE GAETANO DONIZETTI Y GIOVANNI RUFFINI El domingo 11 de mayo próximo, a las 17, en la Sala “Alberto Ginastera” del Teatro Argentino de La Plata, dependiente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, proseguirá la temporada lírica del primer coliseo bonaerense con la reposición de la ópera “Don Pasquale”, con música de Gaetano Donizetti y libreto del propio compositor y Giovanni Ruffini. Habrá nuevas funciones el viernes 16 y sábado 17 de mayo, a las 20.30, y el domingo 18, a las 17. La dirección musical estará a cargo de Javier Logioia, la “régie” le corresponderá a Alberto Félix Alberto, la escenografía e iluminación a Raúl Bongiorno y la adaptación del vestuario a Sergio Massa. El Coro Estable contará con la preparación de su titular, Sergio Giai. El reparto estará constituido por Ricardo Ortale (11, 16 y 18) y Alberto Jáuregui Lorda (17) como Don Pasquale; Paula Almerares (11, 16 y 18) y Ana Laura Menéndez (17) como Norina; Víctor Torres (11, 16 y 18) y Norberto Marcos (17) como el Dr. Malatesta; Carlos Natale (11, 16 y 18) y Duilio Smiriglia (17) como Ernesto y Carlos Iaquinta (11, 16 y 18) y Ricardo Franco (17) como un Notario. Habrá entradas desde $ 20, con un 50 % de descuento para jubilados y estudiantes. Podrán adquirirse en las boleterías del Teatro, de martes a domingos, de 10 a 20, o a través de Ticketek, a los teléfonos 4477200 (La Plata) y 52377200 (Capital Federal). Los espectadores de Capital Federal contarán con un servicio de ómnibus que partirán desde el frente de la Casa de la Provincia de Buenos Aires, Callao 237, dos horas y media antes del horario de cada función. Los pasajes de ida y vuelta tienen un valor de $ 15 y también deben ser adquiridos por medio de Ticketek. Una comicidad que no pierde vigencia Considerado, junto a Gioacchino Rossini y Vincenzo Bellini, uno de los principales representantes del estilo belcantista, Gaetano Donizetti (1797-1848) compuso más de setenta obras para el teatro cantado. Su “Don Pasquale”, estrenada a comienzos de 1843 en París, constituye junto a “El barbero de Sevilla” una de las auténticas cumbres del género bufo. En contraste con la ópera seria, esta modalidad originada en el sur italiano explota al máximo la comicidad y le saca jugo a los enredos argumentales. En esta pieza, concebida con singular maestría, el autor no prescinde de las arias ni de los conjuntos, pero les otorga un especial dinamismo y los pone al servicio del sentido teatral de la acción. El libreto, erróneamente atribuido a Michele Accursi, fue escrito por el músico en colaboración con Giovanni Ruffini. El febril ritmo en el que componía Donizetti, quien escribió la obra en apenas veinte días, chocó contra los tiempos más pausados que requería Ruffini y las continuas desavenencias llevaron al poeta a no firmar el trabajo. El asunto había sido tomado de “Ser Marcantonio”, pieza estrenada en 1810 en la Scala de Milán que contaba con libreto de Angelo Anelli, el recordado libretista de “La italiana en Argel” de Rossini. Donizetti se sintió atraído por la agilidad y la gracia de las acciones planteadas. No obstante, en su revisión, corrigió numerosos versos y volcó en cada compás toda la vivacidad, la justeza y el equilibrio de los que era capaz. El resultado fue tan magnífico que “Don Pasquale” continúa representándose hoy en los teatros de todo el mundo como un testimonio imperecedero del ingenio y la fina gracia de su autor.
Ciclo Anual de CONCIERTOS PROGRAMA: • Homenaje al tango de Daniel Binelli • Obra de Gerardo Gandini • Obra de Luis Golijov • Concierto para bandoneón y orquesta de Astor Piazzolla • Sinfonía de Cámara de Daniel Doura. • Dirección: Dante Anzolini • Solistas: Daniel Binelli (bandoneón) Polly Ferman (piano)
Opera NORMA, de V. Bellini Elenco: Norma HAYDEE DABUSTI Pollione JUAN CARLOS VASSALLO Adalgisa MARIA LUJAN MIRABELLI Oroveso ARIEL CAZES Regie y Diseño de Escenografía: RUBEN BERASAIN Vestuario: TEATRO COLON Coro de la OPERA DE ROSARIO Director: HORACIO CASTILLO Orquesta Sinfónica Provincial de Rosario Dirección: Mtro. NICOLAS RAUSS Co-Producción: OPERA DE ROSARIO NORMA es una ópera en dos actos con música de Vincenzo Bellini y libreto de Felice Romani (basado en una tragedia de Alexandre Soumet), estrenada en La Scala de Milán, el 26-12-1831. - Lugar en el que se desarrolla la obra: La Galia - Época: Siglo I A.C. (ocupación romana) Norma es una sacerdotisa de los druidas. Pese a sus votos litúrgicos de castidad, mantiene un idilio secreto con el gobernador romano Pollione, al que ha dado dos hijos. Este romance hace que Norma trate por todos los medios de acallar la rebelión contra Roma, esperando que se establezca la paz entre los dos pueblos y así no perder a su amado. Sin embargo Pollione se enamorará de Adalgisa, otra de las sacerdotisas druidas, circunstancia que provoca, por el desengaño de Norma, que ésta convenza a los druidas de que ataquen a Roma. Tras el ataque, Pollione ha de ser sacrificado a los dioses en honor a la victoria, no obstante él no quiere abandonar su nuevo amor. Esta lealtad hace que Norma se vea envuelta en un sinfín de sentimientos contradictorios, debatiéndose entre la lealtad a su pueblo, el amor al romano y sus remordimientos por haber traicionado sus votos, decidiendo acusarse de traición, revelar a su pueblo su deslealtad y ser ella la que vaya a la hoguera de los sacrificios. Pollione, al ver la actitud de Norma, se vuelve a enamorar de ella y la acompaña al sacrificio. Ambos suben de la mano a la hoguera. NICOLAS RAUSS Nacido en Ginebra, Suiza, en 1960, estudió en el Conservatorio de esta ciudad dirección coral con Michel Corboz, y dirección orquestal con Arpad Gerecz, culminando sus estudios con el Primer Premio de Dirección Orquestal en 1984. Asistió a varios cursos internacionales, como los de Rafael Kubelik en Lucerna, de Ferdinand Leitner en Salzburg, y de Hiroshi Iwaki en Hilversum. En 1986 se perfeccionó en Parma bajo la guía de Vladimir Delman, dónde fué semifinalista del concurso "Arturo Toscanini". Desde 1983 ha sido el invitado de varios festivales suizos, como el Festival de Lucerna, el Festival Tibor Varga de Sion y los "Archivos Stravinski" organizados por Paul Sacher en Basilea. En 1987 obtuvo por unanimidad el Primer Premio en el 6° Concurso Internacional de Dirección Orquestal "Gino Marinuzzi" de San Remo. Ha dirigido, en Suiza, la Orquesta de la "Suisse Romande", la Orquesta de Cámara de Lausanne, la Orquesta de la Radio-Televisión de la Suiza Italiana y la Sociedad Orquestal de Biel; en Italia, la Orquesta Sinfónica dell' Emilia-Romagna y la Orquesta de San Remo; en Alemania, la Orquesta Sinfónica de Hof, las Orquestas de Jóvenes de los Estados de Schleswig-Holstein, de Niedersachsen y de Bavaria; en la ex-Yugoslavia, la Filarmónica de Macedonia; en Georgia, la Sinfónica Nacional; en Brasil, las sinfónicas de Sao Paolo (Teatro Municipal) y de Porto Alegre; en Uruguay, la Orquesta Sinfónica del SODRE y la Filarmónica de Montevideo; en Chile, la Sinfónica de Chile; y en Argentina, las Sinfónicas de Mendoza, San Juan, Rosario y Córdoba. Paralelamente a estas actividades, se desempeñó entre 1991 y 1994 como Profesor interino de Dirección Orquestal en el Conservatorio de Música de Ginebra. Durante las últimas cinco temporadas (2000 a 2004) ha sido Director Titular de la Orquesta Filarmónica de Mendoza en Argentina. De esta colaboración se destacaron las presentaciones de "Orfeo y Euridice", "Carmen", "Cavallería Rusticana", y el Requiem de Verdi en el Teatro Griego, y de los ciclos "Bach y sus hijos en gira por Mendoza", "Viajes Filarmónicos" o "Haydn y Mozart en América con músicos de la Colonia". HAYDEE DABUSTI Nació en Argentina. Comenzó su formación musical en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, donde estudió canto con la Prof. Teresa Serantes y arte escénico con el Mtro. Eduardo Rodríguez Arguibel. Es egresada de la Asociación Dante Alighieri y del Conservatorio Franz Liszt, en el cual cursó estudios de piano. Sus maestros de repertorio fueron Reinaldo E. Censabella, Catalina Hadis y Dante Ranieri. En la actualidad, se perfecciona en repertorio con la Prof. Susana Cardonnet. Cantó en las principales salas de Argentina: Teatro Colón de Buenos Aires, Teatro Argentino de La Plata, Teatro Avenida, Teatro Roma de Buenos Aires, Teatro Margarita Xirgu y Teatro Municipal de Bahía Blanca. En el exterior, se presentó en el Teatro Pablo Tobón Uribe (Colombia), el Teatro Municipal de Temuco (Chile) y el Teatro Segura de Lima (Perú). En 2001, protagonizó “La Traviata” en Colombia y encarnó el rol de “Manon Lescaut” en el Teatro Roma de Avellaneda. Durante 2002, cantó “Aida” en la manufactura Papelera y “Un Ballo in Maschera” en el Teatro Roma. Por primera vez, en 2003, en una producción totalmente integrada por artistas argentinos, interpretó el exigente rol de “Norma” en el Teatro Avenida. A lo largo de 2004, representó nuevamente “Norma” de Bellini en el Teatro Municipal de Temuco (Chile). Además, durante este mismo año, participó de la producción de “Don Carlo” en el Auditorio de Belgrano de la ciudad de Buenos Aires y protagonizó a “Tosca” en ocasión del centenario del Teatro Roma de Avellaneda. En 2005, se presentó en el Teatro Colón en las óperas “La Walkyria” y “La zapatera prodigiosa” y encarnó a “Tosca” en el Teatro Avenida. Durante 2006, se destacó en la producción de “Andrea Chénier” que se llevó a cabo en el Teatro Argentino de La Plata y fue invitada por la Asociación “Bel Canto” para cantar “Madama Butterfly” en el Teatro Segura de Lima (Perú). A lo largo de ese año, también interpretó a “Aida” en el Teatro Municipal de Bahía Blanca y el rol de Senta, de la ópera “El buque fantasma”, en el Salón Dorado del Teatro Colón. A comienzos del 2007, abrió las temporadas del Teatro Argentino de La Plata, el Teatro Avenida y el Auditorio de Mar del Plata con los protagónicos de “Norma”, “Aida” y “Tosca” respectivamente. Recientemente, encarnó a “Tosca” en el Teatro Municipal de Bahía Blanca, protagonizó “La Gioconda” en el Teatro Roma de Avellaneda e interpretó a Abigaille en la representación de “Nabucco” que se llevó a cabo en el Auditorio de Belgrano de la ciudad de Buenos Aires. Sus compromisos más inmediatos para el 2008 son "Norma" de Bellini en el Teatro El Círculo de Rosario y "Nabucco" de Verdi en el Teatro Argentino de La Plata. MARIA LUJAN MIRABELLI JUAN CARLOS VASSALLO ARIEL CAZES Nacido en Uruguay y naturalizado italiano. A partir de su debut a fines de 1997 con “Don Giovanni” de Mozart, se ha presentado en las más importantes salas de América Latina, tales como: Teatro Solís y SODRE de Montevideo (Uruguay); Teatro Colón y Avenida de Buenos Aires, Teatro Argentino de La Plata, Teatro Roma de Avellaneda, Teatro Libertador de Córdoba, Teatro El Círculo de Rosario y Teatro Colón de Mar del Plata; Teatro Municipal de Santiago y Teatro de la Universidad de Chile, y Teatros de la OSPA y SESI de Porto Alegre y Municipal de Río de Janeiro (Brasil). También se ha presentado en el Teatro Principal de Palma de Mallorca (España) en las temporadas 2002 y 2003. Ha sido seleccionado por los Mtros. José Van Dam, John Wustman y Raquel Pierotti para participar de sus clases magistrales. Ha ganado el primer premio en las ediciones V y VII del Concurso Internacional “Carlos Gomes” en Río de Janeiro, y en el 1er. Concurso Internacional de Canto Lírico del MERCOSUR (Montevideo). Ha cantado junto a figuras de la talla de Dolora Zajick, Leo Nucci, Sylvie Valayre, Nadine Secunde, Paul Frey, Carlos Alvarez, Paula Almerares y Adelaida Negri; y ha sido dirigido por batutas y registas tales como Franz Paul Decker, Richard Bonynge, Edoardo Müller, Renato Palumbo, Massimo Biscardi, Isaac Karabtchebsky, Enrique Morelenbaum, Oliver von Dohnanyi, Jean Paul Penin, Pedro Ignacio Calderón, Constantino Juri, Roberto Oswald, Daniel Suárez Marzal y Luis Gorelik. Entre sus actuaciones se han destacado el "Requiem" de Mozart, la "Novena Sinfonía" de L. van Beethoven, el Conde Walter en “Luisa Miller”, Sparafucile en "Rigoletto", Ramfis en “Aida”, Zacarías en “Nabucco”, Jacopo Fiesco en “Simon Boccanegra”, Ruy Gómez de Silva en “Ernani” y Pirro en "I Lombardi alla prima crociata" de Verdi; Colline en "La Bohème", Angelotti en "Tosca” y Zío Bonzo en "Madama Butterfly" de Puccini; Sprecher de "Die Zauberflötte" de Mozart; Don Basilio en "Il Barbiere di Siviglia" de Rossini; Fray Lorenzo de "Roméo et Juliette" de Gounod; Rocco en "Fidelio" de L. van Beethoven; y Cuno en "Der Freischütz" de Carl Maria von Weber. En el 2006 debuta el Bethune de "I Vespri Siciliani" de Verdi en el Teatro Colón y luego interpreta el Rangoni de "Boris Godounov" de Mussorgsky y Timur de “Turandot”; además el Príncipe de "Evgeny Onegin" de Tchaikovsky en el Teatro Avenida.
Death in Venice Muerte en Venecia Síntesis argumental y libreto Death in Venice (1973) es la última y probablemente más profunda ópera de Benjamin Britten, estrenada tres años antes de su muerte, cuando el compositor estaba ya muy enfermo. El libreto de Myfanwy Piper sigue con fidelidad la narración de Thomas Mann Der Tod in Venedig (1912), que plantea algunas de las grandes cuestiones estéticas y existenciales de nuestro tiempo con referencias explícitas al tratamiento que ya les dieron los autores griegos. Las diecisiete escenas en que se dividen las dos partes de la ópera nos explican el angustiado viaje y estancia del narrador, el escritor Gustav von Aschenbach –que se siente envejecido y falto de inspiración– a una Venecia enferma por la epidemia de cólera, donde se planteará las grandes cuestiones que lo han obsesionado a lo largo de su vida –la fascinación por la belleza absoluta, el deseo de eternidad, la contemplación de la muerte, única certeza– y donde descubrirá en un adolescente, Tadzio, la última imagen ideal de la belleza y, finalmente, encontrará, sólo en la playa, la muerte. El largo e intenso monólogo de Aschenbach, recitativo libre acompañado por piano, de música expresiva e inquietante, que culmina con la evocación del himno a la belleza de Fedro de Platón («Chaos, chaos and sickness»), ocupa una parte importante de la obra. Los diálogos se concentran casi exclusivamente en un personaje polivalente y simbólico, alter ego diabólico del escritor, cantado por un bajo-barítono que utiliza de tanto en tanto como recurso perverso la voz de falsete, que asume siete personalidades –el misterioso viajero que le incita a partir, el viejo ridículo y presumido del barco, el gondolero que lo conduce al Lido, el obsequioso director del hotel, el barbero complaciente, el músico ambulante, el dios Dionisos que se le aparece en sueños–, que personifican el destino, mensajeros de la muerte que lo acompañan en este viaje sin retorno. Otro elemento interesante es la presencia de Apollo, un contratenor, que acompaña los juegos de los adolescentes en la playa, identificados con los juegos del dios («Beauty is the mirror of spirit»). Una percusión muy elaborada (xilófonos, gongs, cuerda), en la línea orientalizante de los gamelán de Bali y Java que fascinaban al compositor, acompaña las apariciones de Tadzio y sus amigos y también de su refinada familia polaca, que interpretan actores mimos y bailarines, prácticamente sin palabras. El poder evocador de la orquesta encuentra aún en el mar veneciano y en las aguas de los canales momentos de extraordinaria belleza y la partitura presenta un sutil y complejo tejido de temas o motivos. Duración: 2 h 40 min. (aproximada)
Die Walküre Síntesis argumental y libreto DIE WALKÜRE (1870) de Richard Wagner constituye la primera jornada de Der Ring des Nibelungen, la «Tetralogía», el proyecto más ambicioso del compositor. La precede el prólogo (Das Rheingold), y la siguen las otras dos jornadas (Siegfried y Götterdämmerung), que completan la magna obra. Esta jornada narra los orígenes y nacimiento de Siegfried y el enfrentamiento de Brünnhilde, la valquiria más querida, con su padre, el dios Wotan. Los precedentes los encontramos con las consecuencias de la construcción ya remota del Walhalla, la suntuosa morada de los dioses, que desencadenó la lucha por la posesión del oro del Rin –y del anillo todopoderoso que contiene un cruel maleficio–, que pasó del poder de las ondinas al de los nibelungos y del gigante Fafner, convertido ahora en dragón, que lo custodia. Wotan ha decidido recuperar el anillo a través de un héroe que pertenece al mundo de los hombres, libre y sin sus contradicciones, que no conozca el miedo ni la envidia. Ha vuelto por ese motivo a la tierra y de su unión con una mujer mortal han nacido los mellizos Siegmund y Sieglinde, a quienes el destino ha separado. Ella ha sido casada con Hunding y él lleva una vida errante y desgraciada. El primer acto de Die Walküre narra el enamoramiento de los dos hermanos, amor que muestra su fuerza con la trasgresión de las normas: es adúltero e incestuoso. Siegmund llega huyendo de unos enemigos entre los que está Hunding, que lo desafía para el día siguiente. Sieglinde se apiada de él, y el despertar de la primavera desencadena su intenso y mutuo amor, a la vez que se reconocen como hermano y hermana. Siegmund se revela como un héroe al arrancar la espada –Nothung– que Wotan había clavado en el fresno sagrado que preside la escena. El intenso y amoroso abrazo precede su huida a un mundo que los pueda acoger. En el segundo acto, en el Walhalla, Wotan pide a su hija Brünnhilde –la más querida de las nueve valquirias, vírgines guerreras que llevan al Walhalla a los héroes muertos en combate– que ayude a Siegmund en su combate con Hunding. Pero su mujer Fricka, diosa del matrimonio, consigue convencer al dios de que castigue a los amantes. Brünnhilde, que interpreta los deseos profundos del padre, decide desobedecerlo y ayudar a Siegmund. Cuando el héroe cae por la intervención cruel de Wotan, que con su lanza rompe Nothung en dos pedazos, la valquiria se lleva a Sieglinde y la esconde en el bosque para que pueda dar a luz a Siegfried, el héroe que lleva en las entrañas. El tercer acto, iniciado por la famosísima «Cabalgada de las valquirias», que quedan aterradas por la conducta de Brünnhilde, se centra en la cólera de Wotan, el cual la priva de la condición divina y la condena a dormir en una roca rodeada de llamas hasta que la libere el amor y el coraje de un héroe sin miedo que se identifica musicalmente con Siegfried.
The Hamburg Ballet - John Neumeier Presentación Esta versión de Tod in Venedig de Thomas Mann del Hamburg Ballett - John Neumeier tiene como subtítulo Una danza de la muerte de John Neumeier. El director del Hamburg Ballett - John Neumeier ha creado una coreografía centrada en dos conceptos: el amor y la muerte. Una dualidad que también se extiende a la banda sonora de este ballet, compartida por Bach y Wagner. El primero representa el mundo intelectual creado por Von Aschenbach —en esta versión, transmutado en maestro coreógrafo—, y el segundo, el contramundo extático y dionisíaco al que sucumbe este personaje en Venecia después de su encuentro con Tadzio. Obra de madurez de Neumeier, el coreógrafo se ha sentido fascinado por el componente mítico del relato de Mann y por el cúmulo de coincidencias entre todos los grandes creadores implicados en esta historia de amor y de muerte.
Música coral de Britten «A propósito de Death in Venice» BENJAMIN BRITTEN Quartet núm. 3, op. 94 (28’) Duets Ostinato Solo Burlesque Recitative and Passacaglia (La Serenissima) Ensemble Epicurus Kai Gleusteen – Violín I Liviu Morna – Violín II Paul Cortese – Viola Herwig Coryn – Violonchelo BENJAMIN BRITTEN Missa Brevis en Re Major, op 63 Soprano: Elisabet Vilaplana Mezzosprano: Marta Polo Deus in Adjutorium meum A Hymn of St Columba Jubilate Deo Órgano: Eloi Jové Cor del Gran Teatre del Liceu Director, José Luis Basso
Otello en cine de Giuseppe Verdi Presentación Ópera en cuatro. Libreto de Arrigo Boito basado en el drama de William Shakespeare. Grabación de la temporada 2005-2006 del Gran Teatre del Liceu. DVD de la ópera a la venta en el Espai Liceu.
Conferencia sobre L' Orfeo Conferenciante: Carmelo Di Gennaro Conferencia organizada en colaboración con la Asociación de Amigos de la Ópera de Madrid sobre L' Orfeo, de Claudio Monteverdi Entrada libre hasta completar aforo
La venexiana I Claudio Monteverdi (1567 - 1787) Lasciatemi morire o El Arte de Claudio Monteverdi Quinto libro de los Madrigales T’amo mia vita Sexto libro de los Madrigales Misero alceo Zefiro torna Una donna fra l’altre Batto, qui pianse Ergasto Ohimè, il bel viso Séptimo libro de los Madrilgales Romanesca Soave libertate Vaga su spina ascosa O come sei gentile Octavo libro de los Madrigales Gira il nemico insidioso Su, su, pastorelli vezzosi Perché t’en fuggi o Fillide Lamento della Ninfa Dolcissimo Usignolo
La venexiana II Claudio Monteverdi (1567 - 1787) Sinfonia Questi vaghi concerti (Quinto libro de los Madrigales) E pur io torno (L’incoronazione di Poppea) Lamento di Arianna Sinfonia Tempro la cetra (Séptimo libro de los Madrigales) Sinfonia (Il ritorno d’Ulisse in Patria) Et è pur dunque vero (Scherzi musicali) Sinfonia Il combattimento di Tancredi e Clorinda
Mesa Redonda El Mito de Orfeo Participantes: Pier Luigi Pizzi, William Christie y otros Mesa redonda organizada en colaboración con la Asociación de Amigos de la Ópera de Madrid sobre el mito de Orfeo Entrada libre hasta completar aforo
L'Orfeo Claudio Monteverdi (1567-1643) Favola in musica en un prólogo y cinco actos Libreto de Alessandro Striggio. Nueva edición a cargo de JONATHAN CABLE, basada en la primera edición de 1609. Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Teatro La Fenice de Venecia LES ARTS FLORISSANTS Introducción: El 24 de febrero de 1607 se estrenó, en el Palacio Ducal de Mantua, L’Orfeo de Claudio Monteverdi. Esta fecha se ha establecido como el nacimiento de la ópera, pues fue el compositor de Cremona, con su favola in musica sobre el mítico cantor de Tracia, quien estableció para siempre las pautas del nuevo género con un revolucionario tratamiento dramático y musical. Sobre un rico libreto de Alessandro Striggio, basado en las Metamorfosis de Ovidio y las Geórgicas de Virgilio, Monteverdi escribió una música tan perfecta que constituiría una referencia imprescindible para el teatro musical en los siglos venideros. Gracias a su extraordinaria concepción, y a una partitura cuidadosamente elaborada, L’Orfeo alcanza una perfección que se conseguirá muy raramente en la historia de la ópera. Monteverdi es el primer músico para quien la expresión de los sentimientos que conmueven profundamente nuestro ánimo y la pintura de las pasiones son absolutamente prioritarias. Con motivo del 400 aniversario del estreno de la obra, el Teatro Real inicia la representación de la trilogía monteverdiana, que se ofrecerá por primera vez en Madrid de una manera cíclica (a L’Orfeo le seguirán Il ritorno d’Ulisse in patria en la temporada 2008-2009 y L’incoronazione di Poppea en la temporada 2009-2010), en un montaje de Pier Luigi Pizzi, que dirige por primera vez el ciclo completo, y contando en el foso con uno de los máximos intérpretes de la música barroca, William Christie, al frente de su conjunto Les Arts Florissants, que también se enfrenta por primera vez a esta partitura, y un elenco en el que, junto al barítono alemán Dietrich Henschel en el papel estelar, sobresalen, entre otras, las voces de Maria Grazia Schiavo, Sonia Prina, Agustín Prunell-Friend o Antonio Abete.
El barbero de Sevilla Gioachino Rossini (1792 -1868) Proyecto Ópera Estudio Libreto de Cesare Sterbini basado en Le barbier de Séville, de Pierre-Augustin de Beaumarchais Edición crítica a cargo de Alberto Zedda. Casa Ricordi- BMG Ricordi & SPA de Milán. Editores y Propietarios Adaptación de la producción original del Teatro Real (2005) en colaboración con la Accademia de La Scala de Milán. Orquesta-Escuela de la Sinfónica de Madrid Proyecto realizado en colaboración con la Universidad Carlos III de Madrid Edad recomendada: desde 14 años
La clemenza di Tito Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Opera seria en dos actos KV 621 Libreto de Caterino Mazzolà Edición de Bärenreiter-Verlag. Alkor-Edition Kassel GMBH Versión semiescenificada CORO Y ORQUESTA TITULAR DEL TEATRO REAL Coro y Orquesta Sinfónica de Madrid Introducción: Estrenada en el Teatro Nacional de Praga el 6 de septiembre de 1791, Mozart llevaba ya diez años sin escribir óperas serias cuando, a finales del último verano de su vida, el empresario Guardasoni le encargó una obra para celebrar la coronación de Leopoldo II como rey de Bohemia. El tiempo que le concedió era limitadísimo: sólo cuatro semanas. Por otra parte, el compositor no tuvo libertad alguna para elegir el libreto: se trataba de La clemenza di Tito, un drama escrito por Pietro Metastasio casi 60 años antes, en 1734, y “reducido a verdadera ópera” por el poeta del Elector de Sajonia, Caterino Mazzolà. A pesar de la rigidez del marco impuesto (y del hecho de que, por la premura de tiempo, Mozart confía la elaboración de los recitativos a su discípulo Franz Süssmayr, responsable también de la terminación del Réquiem), el genio salzburgués supo imponerse y crear una obra llena de humanidad, con unos personajes que anuncian ya en sus conflictos la sensibilidad romántica. El Teatro Real ha querido establecer un puente de unión entre la primera y la última de las grandes óperas serias de Mozart, programando La clemenza di Tito paralelamente al Idomeneo que cerrará la temporada, con un director muy vinculado a este título como Víctor Pablo Pérez, con el que ha obtenido grandes éxitos en los festivales Mozart de Madrid y La Coruña. Será en una versión semi-escenificada de Massimo Gasparon, con la presentación en el Teatro Real de la mezzosoprano búlgara Vesselina Kasarova, que ha hecho del papel de Sesto uno de sus caballos de batalla. Junto a ella encontraremos de nuevo al tenor Raúl Giménez y a la temperamental soprano también búlgara Alexandrina Pendantschanska, junto a dos voces españolas en ascenso, la mezzosoprano navarra Maite Beaumont y la soprano vasca Ainhoa Garmendia.
L'Orfeo en salas comerciales Desde la Sala Principal del Teatro Real se emitirá en directo y vía satélite la ópera más antigua en el formato más moderno: L'Orfeo, de Monteverdi, en cine digital de alta definición. 27 salas comerciales de toda España y las mejores de Alemania, Holanda, Reino Unido, Polonia, Italia y Bélgica proyectarán esta nueva producción del coliseo madrileño, con la mejor calidad de sonido e imagen de hoy en día. Venta de entradas desde esta página web y en las taquillas de cada sala. Si lo desea puede descargarse e imprimir el bono descuento del final de la página y presentarlo en las taquillas del cine. Claudio Monteverdi (1567-1643) Favola in musica en un prólogo y cinco actos Libreto de Alessandro Striggio. Nueva edición a cargo de JONATHAN CABLE, basada en la primera edición de 1609. Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Teatro La Fenice de Venecia LES ARTS FLORISSANTS Con la participación de Les Sacqueboutiers Introducción: El 24 de febrero de 1607 se estrenó, en el Palacio Ducal de Mantua, L’Orfeo de Claudio Monteverdi. Esta fecha se ha establecido como el nacimiento de la ópera, pues fue el compositor de Cremona, con su favola in musica sobre el mítico cantor de Tracia, quien estableció para siempre las pautas del nuevo género con un revolucionario tratamiento dramático y musical. Sobre un rico libreto de Alessandro Striggio, basado en las Metamorfosis de Ovidio y las Geórgicas de Virgilio, Monteverdi escribió una música tan perfecta que constituiría una referencia imprescindible para el teatro musical en los siglos venideros. Gracias a su extraordinaria recepción, y a una partitura cuidadosamente elaborada, L’Orfeo alcanza una perfección que se conseguirá muy raramente en la historia de la ópera. Monteverdi es el primer músico para quien la expresión de los sentimientos que conmueven profundamente nuestro ánimo y la pintura de las pasiones son absolutamente prioritarias. Con motivo del 400 aniversario del estreno de la obra, el Teatro Real inicia la representación de la trilogía monteverdiana, que se ofrecerá por primera vez en Madrid de una manera cíclica (a L’Orfeo le seguirán Il ritorno d’Ulisse in patria en la temporada 2008-2009 y L’incoronazione di Poppea en la temporada 2009-2010), en un montaje de Pier Luigi Pizzi, que dirige por primera vez el ciclo completo, y contando en el foso con uno de los máximos intérpretes de la música barroca, William Christie, al frente de su conjunto Les Arts Florissants, que también se enfrenta por primera vez a esta partitura, y un elenco en el que, junto al barítono alemán Dietrich Henschel en el papel estelar, sobresalen, entre otras, las voces de Maria Grazia Schiavo, Sonia Prina, Agustín Prunell-Friend o Antonio Abete.
Final II Concurso Internacional Jesús López Cobos ORQUESTA TITULAR DEL TEATRO REAL (Orquesta Sinfónica de Madrid)
Orphée et Eurydice Christoph Willibald Gluck (1714-1787) Tragedia en tres actos Versión de París de 1774 Libreto de Ranieri de Calzabigi Edición de Bärenreiter-Verlag. Alkor-Edition Kassel GMBH Ópera en versión de concierto CORO Y ORQUESTA TITULAR DEL TEATRO REAL Coro y Orquesta Sinfónica de Madrid Introducción: El encuentro que tuvo lugar en Viena entre el compositor Christoph Willibald Gluck y Ranieri de’ Calzabigi, literato y aventurero italiano imbuido de la cultura clásica, daría como fruto una reforma fundamental en la historia de la ópera, oprimida, según los autores, por los abusos de virtuosismo de los cantantes y reducida a una serie de melodías que poco o nada se adherían a la esencia del texto literario, para lo que buscaron una nueva esencia expresiva. El éxito obtenido con Iphigénie en Aulide en París en 1774 llevó a Gluck a revisar la partitura de Orfeo ed Euridice, estrenada en el Hofburgtheater de Viena el 5 de octubre de 1762, adaptándola a la traducción francesa realizada por Pierre-Louis Moline y enriqueciéndola con nuevas páginas vocales y números de danza. En esta versión revisada, además, el papel de Orfeo, escrito originalmente para el castrato Gaetano Guadagni, fue transportado a la tesitura de tenor. Tras su apoteósico paso por el Teatro Real con Il barbiere di Siviglia, y después de haber interpretado en sus recitales algunas de las arias más célebres de la ópera, el gran tenor peruano Juan Diego Flórez asumirá por primera vez el papel de Orfeo, que exige ante todo una extremada pureza de línea y una delicada musicalidad. Junto a él se presentará, en esta versión de concierto, una de las más rutilantes estrellas del momento, la soprano estadounidense Nicole Cabell, ganadora del último Concurso Internacional de Cardiff, en Gales, que hará su presentación en España en el papel de Euridice, completando el terceto vocal la joven soprano italiana Alessandra Marianelli como el Amor. Al frente de los conjuntos titulares estará el director musical del Teatro Real, Jesús López Cobos.
Jean-Philippe Collard C. Debussy: Preludios Libro 1 M. Ravel: Valses Nobles y Sentimentales M. Ravel: Gaspard de la Nuit Ciclo Grandes Pianistas 2008
Conciertos de música de cámara 2008 Músicos de la Orquesta Filarmónica de Santiago.
11 de mayo de 1894: nace Martha Graham, coreógrafa y bailarina estadounidense. Rompió con las rígidas convenciones de la danza del siglo XIX, creando su propia técnica: violentas contracciones pélvicas y trabajo abrupto a nivel del suelo, que encantaron al mundo.
07 de mayo de 1833: nace en Hamburgo, el músico y compositor Johannes Brahms. No tardó en revelar su talento para la música y su padre decidió alentarlo para que el niño tocase en las tabernas. Más tarde recibió lecciones de los mejores maestros de la ciudad. Trabajó duramente y produjo obras maestras en todas las formas musicales, excepto la ópera. Fue finalmente reconocido en toda Europa y su obra se alejó de todo concepto programático para centrarse en un arte musical puro y clásico.
07 de mayo de 1840: nace Peter Illich Chaikovski, compositor ruso. Fue un niño muy sensible y con talento para la música, que muchas veces aprendía de manera autodidacta. Si bien sus primeras obras son abstractas, su subjetivismo romántico fue imponiéndose. Produjo una asombrosa cantidad de partituras, aunque no todas cuentan con la misma profundidad creativa.
07 de mayo de 1824: Michael Umlauf dirige el estreno en Viena la Novena Sinfonía de Beethoven. Esa noche, el compositor no podía oír la música debido a su sordera pero siguió la ejecución a travez de una copia de la partitura, imaginando los sonidos que todos escuchaban.
"Si posees alumnos a quienes les enseñas música, ayúdalos por todos tus medios posibles a lograr sus sueños. Pero ten mucho cuidado en la manera en que influyes en esos sueños"
Friedrich Gulda
"La música es la aritmética de los sonidos, como la óptica es la geometría de la luz"
Claude Debussy
"No confíes tu secreto ni al más íntimo amigo; no podrías pedirle discreción si tú mismo no la has tenido"
Ludvig van Beethoven
"En verdad, si no fuera por la música, habría más razones para volverse loco"
Piotr Illych Chaikovski
Gran pianista, arreglador, director y compositor, que une a su técnica interpretativa la sensibilidad de aquellos elegidos para elaborar una música superior. Con él es posible rememorar climas propuestos por los más grandes creadores del tango que lo antecedieron. A veces es Di Sarli, otras veces De Caro y Fresedo. Como pianista y arreglador, tuvo la influencia de sus contemporáneos Horacio Salgán y, fundamentalmente, de Astor Piazzolla, con quien actuó como pianista en la orquesta de 1946. En su obra de compositor se destacan: "Afiches", "Con pan y cebolla", "De Homero a Homero" y "Desencanto", entre otros.
Rodrigo Fuentes y Gabriela Perea fueron premiados en la categoría tango escenario del selectivo norpatagónico. Con esta distinción, los bailarines se adjudicaron inmediatamente el ingreso a participar del mundial de tango a realizarse del 23 al 31 de agosto en Buenos Aires. Del encuentro participaron 18 parejas que demostraron sus habilidades en la interpretación del dos por cuatro. Los ganadores recibieron, además de la posibilidad de competir en el mundial, un viaje y estadía por un fin de semana en Las Grutas, en cualquier época del año.
La presentación de la Orquesta de Tango de Buenos Aires será este sábado a las 18hs., en el marco del Programa de Revitalización y Puesta en Valor de la Avenida de Mayo que el Gobierno porteño desarrolla a través del Ministerio de Cultura y el Ente Turismo de Buenos Aires. Luego del éxito de concurrencia de los tres primeros fines de semana continuará este sábado 3 y domingo 4 de mayo, extendiéndose los fines de semana que restan hasta el 18 de mayo.
